Alberto Romero Gil

Vuelvo en breve

2010-11-04T02:28:00.001-07:00

Julio Vaquero

2009-07-08T08:00:00.000-07:00

Este jueves 9 de julio, a las siete de la tarde, en la sala de exposiciones de Caixa Laietana, en la Plaça de Sant Anna 1-4, de Mataró, todos los amantes del arte en mayúsculas vamos a poder disfrutar de las palabras y de la obra de uno de los escasos artistas de la “división de honor” perteneciente a la generación posterior a Tapies, Saura y Antonio López de este país.

Esto no lo digo yo, aunque lo piense, sino su trayectoria. Su obra es absolutamente tan contundente que está presente en las colecciones privadas y públicas más relevantes del país y fuera de él. A la misma vez su obra es reclamada constantemente por todos los comisarios que organizan exposiciones sobre el realismo contemporáneo español, la última en Alemania.

Y por dar otro dato, en la última exposición colectiva que organizó la galería Marlborough (para quien no lo sepa es la galería que representa a Antonio López, Chillida, Lucian Freud, Francis Bacon, etc.) él estuvo presente con una esplendida obra.

Sinceramente creo que esta conferencia es una gran oportunidad para la ciudad, que es estupendo que sus organizadores hayan puesto todo el esfuerzo para que se pudiera hacer, bajo la excusa que sea.

Inscripción abierta

2009-06-30T23:13:00.000-07:00

Inscripción abierta

2009-06-02T00:45:00.000-07:00

La Luz Revelada

2009-05-29T03:47:00.001-07:00

Hoy a las 19 horas se inaugura en la Sala del Colegio de Aparejadores, Arquitectos Técnicos e Ingenieros de Edificación de Barcelona/Maresme mi primera exposición individual que presento en Mataró, mi ciudad.

Estáis, por supuesto, todos invitados.

Noticias breves

2009-05-19T23:30:00.000-07:00

Hasta el día 21 de mayo la galería Arcada de Blanes, nos da la oportunidad de disfrutar de las esplendidas obras que María Perelló y Pep Sala generan en su estudio.

Mario Benedetti

2009-05-19T03:51:00.000-07:00

CURRICULUM

El cuento es muy sencillo

usted nace

contempla atribulado

el rojo azul del cielo

el pájaro que emigra

el torpe escarabajo

que su zapato aplastará

valiente

usted sufre

reclama por comida

y por costumbre

por obligación

llora limpio de culpas

extenuado

hasta que el sueño lo descalifica

usted ama

se transfigura y ama

por una eternidad tan provisoria

que hasta el orgullo se le vuelve tierno

y el corazón profético

se convierte en escombros

usted aprende

y usa lo aprendido

para volverse lentamente sabio

para saber que al fin el mundo es esto

en su mejor momento una nostalgia

en su peor momento un desamparo

y siempre siempre

un lío

entonces

usted muere.

Talentos latentes

2009-05-05T04:26:00.000-07:00

En estos últimos meses, he recibido muy buenas noticias de amigos pintores y sobretodo me han enviado sus últimos trabajos, cosa que siempre agradezco porque me encanta ver la obra de los demás.

Me han gustado tanto lo que están haciendo que necesito compartirlo con vosotros. El primero es un magnífico dibujo de Carmen Chofre, pintora Sevillana que con esta pieza ganó hace unos meses el premio provincia de Guadalajara, a la que felicito desde aquí.

El resto de obras pertenecen a Chema, un pintor de Bilbao. Me contaba en un e-mail que últimamente estaba pintando del natural cuadros que sólo trabajaba durante una jornada... y aquí está el resultado, ¿no es fantástico?

Manuel Rivas

2009-04-13T12:17:00.000-07:00

Las llamadas perdidas es el título del libro, de Manuel Rivas, que Ana está leyendo o mejor dicho devorando estos días. El libro consiste en un total de veinticinco historias cortas, totalmente inconexas, excepto por la mirada astuta, socarrona y profunda de su autor.

La semana pasada Ana me leyó parte de la octava historia, titulada La confesión, que me gustaría compartir, pues me parece absolutamente genial.

LA CONFESIÓN

¿Qué le dices? ¿Qué le dices a un chico cuando él se te arrima mucho?
Le digo que no se arrime tanto.
Pero, si él te gusta, ¿verdad?, dejas que se arrime algo.
Algo. Algo, sí.
¿Cómo de algo? ¿Mucho?
¡No, mucho no!
Y en ese algo que tú dejas que se arrime...
¡No, si yo no le dejo!
Has dicho que algo sí.
Un poco. Sólo un poquito.
En la confesión no se miente. Recuerda que estás hablando con Dios. ¡Cuéntale a Dios la verdad! Después te sentirás mejor, más limpia. ¡Ya verás! Dime, dime una cosa: En ese poco, ¿tú notas su cuerpo?
¿Su cuerpo? ¡No, su cuerpo no!
¿No sientes sus brazos?
Sí, sus brazos sí.
¿Y sus hombros?
También.
¿Sus piernas?
A veces.
Cuando es muy lenta la música, ¿no sientes su rodilla abrirse camino entre tus piernas?
Yo no dejo que abra mucho camino.
Pero ¿cuánto dejas?
Un poquito, ya le dije.
¿Y las manos? ¿Dónde pone él las manos?
Es un baile de pareja.
¿Dónde las pone?
En la cintura.
En la cintura, ¿dónde?
¿Dónde va a ser? En el talle, en la cintura.
Ya. Pero ¿más arriba o más abajo?
Por el medio.
¿Y no baja? ¿No baja a veces la mano?
A veces, la baja. A veces, la sube.
¿Y tú lo dejas subir y bajar?
Un poco. Para cambiar de postura. Pero sin pasarse.
¿Qué haces si se pasa?
Ponerle el freno.
¿Cómo lo frenas?
¡Me pongo tiesa!
Pero, si él insiste, y si él te gusta mucho, mucho, ¿no te rindes? ¿No cedes?
¡No padre! Tengo la tentación pero me aguanto.
¿No te dejas ir aunque sólo sea un momentito?
Puede ser. Un momentito, sí.
¿Y qué notas en ese instante?
Su corazón.
¿Seguro que no notas nada más?
No. Sólo su corazón.
¡Retumba!
¿Retumba?
Sí, retumba.
Dime una última cosa. Si cuando lo frenas, él sigue adelante, ¿entiendes?, él persevera ¿tú qué haces?
Le digo que no me trepe.
¿Qué es lo que le dices, muchacha?
¡No me trepes!
Repítelo, repítelo, por favor.
No me trepes.

Se había entretenido Había entretenido en la casa de las costureras. Se rieron con ganas, hasta llorar de risa, cuando ella les fue desvelando la confesión.
COSTURERA 1: ¡Pobre! ¡Se enamoró de ti, marisa!
COSTURERA 2: ¿Enamorarse? Ese cura nuevo es un vicioso, ¡te lo digo yo!
COSTURERA 1: Lo que pasa es que se aburre con las papa-hostias. Cuando pilla a alguna moza, no quiere soltarla.
COSTURERA 2: Y tú, ¿por qué no le paraste los pies?
Lo pensé al principio, dijo Marisa. Pero después... No sé. Fue como ponerse a jugar con él a las palabras. (...)

Fernando X. González

2009-04-01T00:51:00.000-07:00

El pasado 12 de marzo viajé a Madrid por cuestiones de trabajo y sobre todo para ver la espléndida exposición de Francis Bacon en El Prado, la cual recomiendo absolutamente.

Para sorpresa mía, esa misma semana se había inaugurado en la galería Estampa una exposición de Fernando X. González, un pintor Argentino afincado en Paris. Su pintura siempre la había visto a través de Internet y aunque me había llamado la atención he de admitir que no me entusiasmaba, tenía la sensación que era una pintura pobre y sosa. Por suerte este viaje me ha dado la oportunidad de ver su obra en directo, y reconozco que me ha sorprendido gratamente, y ahora la encuentro vigorosa, inteligente y con mucha sustancia.

Sin duda si alguien en estos días se decide a viajar a la capital para ver a Bacon, merece la pena pasarse por la galeria para ver esta exposición cuyo montaje, como es habitual en la galería es esplendido, de una pulcritud y sencillez que favorece mucho a cualquier pieza allí colgada.

Apadrinando a Artistas

2009-03-27T06:22:00.001-07:00

Esta noticia la leí hace ya unos meses en el diario digital El País. No deja de ser un simple cotilleo, que en cierta manera daña la imagen de los artistas, pero a la vez, en estos tiempos de crisis, me anima ver que los ricos también lloran.

La mujer más rica de Francia regala 1.000 millones
El afortunado es un fotógrafo amigo de Liliane Bettencourt
INMACULADA RUIZ - París - 16/12/2008

La mujer más rica de Francia, principal accionista del emporio de cosmética L'Oréal, Liliane Bettencourt, anda en pleitos con su hija, Françoise Bettencourt Meyers. ¿La causa? Liliane ha regalado a su afortunado amigo el fotógrafo François-Marie Banier 1.000 millones de euros. Su hija ha pensado que su madre no estaba en sus cabales cuando tomó la generosa decisión y ha pedido a los tribunales franceses que incapaciten a Liliane Bettencourt y la sometan a la tutela económica que le impida "dilapidar su fortuna". De momento, la madre se ha negado a que se le practique un reconocimiento médico, pero las autoridades continúan investigando sobre las condiciones de la generosa donación.

Según el rotativo francés Le Journal de Dimanche, la respuesta de la anciana millonaria a la demanda de su hija es que ella subvenciona a quien quiere. Para eso tiene 17.000 millones de euros, más o menos; según los cálculos de la revista Forbes, la cuarta fortuna de Europa y la primera de Francia.

Liliane ha cumplido ya 86 años y anda apartada del mundanal ruido, disfrutando de las obras de Picasso, Monet, Van Gogh y Chirico que cuelgan de las paredes de su residencia en el exclusivo barrio parisiense de Neuilly; quizás el retiro adecuado para una mujer que dirigió durante toda su vida el imperio cosmético heredado de su padre, el fundador de la firma, Eugéne Schueller, un hombre avispado que tuvo el buen ojo de fabricar el primer tinte capilar. A los 15 años, la joven Liliane entró en el negocio paterno pegando etiquetas en la fábrica de cosméticos. Un puesto nada glamuroso para la única hija y, por tanto, única heredera, del fundador del mayor emporio cosmético. Fue entonces cuando contrajo una tuberculosis que la tuvo retirada, ahora sí a la altura de su fortuna, en un balneario de Suiza. De aquella estancia se trajo del brazo a André Bettencourt, un político cercano a Georges Pompidou con quien estuvo casada desde 1950 hasta que él falleció, hace un año. Precisamente fue un amigo de la infancia de éste, François Dalle, quien presidió el grupo como director general, un cargo que no quiso ocupar la heredera, que siempre estuvo en la sombra.

La vida del fotógrafo François-Marie Banier ha sido menos acaudalada -hasta ahora-, pero no menos interesante. Ambos se conocieron cuando aún vivía el marido de Liliane Bettencourt, y se hizo íntimo del matrimonio. El fotógrafo, también pintor y escritor, ha tenido una buena cartera de amigos: desde Salvador Dalí hasta Carolina de Mónaco. Johnny Deep dice de él que ha hecho las únicas fotos en las que se reconoce y son muchos los artistas que se rinden a su cámara.

"El dinero tiene que servir para emprender", es una de las máximas de la multimillonaria. Y, en sus cabales o no, ha decidido que el emprendedor Barnier sí que lo vale.

Lucio Muñoz

2009-03-23T03:08:00.001-07:00

Uno de los pintores abstractos españoles que más admiro es Lucio Muñoz, y hasta el 26 de marzo todo aquel que quiera conocer o seguir deleitándose con su obra, lo puede hacer en el espacio que la galería Marlborough tiene en Barcelona, en la calle Valencia, 284 1º 2ª A.

Posiblemente de su generación hay otros pintores más conocidos, como Tapies, Saura o Miralles, grandes artistas todos ellos, pero para mí Lucio tiene algo especial, algo de sosiego que me inquieta, y creo que es de los pocos que establece un auténtico y respetuoso diálogo con los materiales. Consigue que la esencia de la materia utilizada aflore y se exprese con toda naturalidad, y nunca los ahoga detrás de un exceso de personalidad artística.

Sinceramente creo que si merece la pena desplazarse a Barcelona para ver a Sorolla y a Mir, más aún lo es para ver a Lucio Muñoz.

La mirada lúcida

2009-03-15T01:14:00.000-07:00

El pasado 28 de diciembre de 2008 el dominical de ABC dedicaba la portada y su entrevista a Antonio López, con la excusa del cuadro de la familia real que en breve el pintor entregará después de 15 años de trabajo.

Siempre he creído que a parte de la maestría y genialidad de su pintura, una de las grandes cosas que ofrece Antonio es su lucidez, y esta entrevista es un claro ejemplo. Aquí os la dejo y ya sacareis vosotros vuestras conclusiones.

ENTREVISTA

Una lección magistral –del arte y de la vida- en el estudio del pintor, justo cuando su esperado retrato de la familia real «está al caer», dice. «Quizá, en estas Navidades.» Llano, sencillo y más contundente que nunca. Un lujo de excepción para acabar, bien, 2008.

Él, además, como no tiene mal carácter, las dice sin crear conflictos. Los años tampoco le han quitado la ilusión de seguir trabajando. En la visita a su estudio, nos recibe en su cocina-santuario, rodeado de imágenes fotográficas de sus amores: su mujer, las esculturas del Partenón, una cabeza de una infanta de Velázquez, Nefertiti, los Cristos de Velázquez y Zurbarán, los frescos de Pompeya, cabecitas de su nieta… Cree que su generación, muy poco viajera, domina la interpretación de la fotografía y quizá por eso se ha atrevido a pintar un retrato de la familia real (en el que lleva más de 15 años trabajando) a partir de varias instantáneas. Impresiona su independencia de criterio, su franqueza y lucidez, la imperturbable y humilde aceptación de las críticas y el señorío de quien está tan en su sitio que no duda en pedir perdón si cree que es necesario. Su conversación es una lección tanto del arte como de la vida misma, con una sabiduría callada que es privilegio de pocos.

XLSemanal. El otro día leí una frase suya sobre Madrid, el tema central en su obra, que me sorprendió. Decía que la capital «le interesa, pero que no le gusta».

Antonio López. Hombre, claro, el infierno seguramente es muy interesante, pero para vivir… No lo sé. Las ciudades grandes son todas infernales. De todos modos, esas cosas no las eliges. Yo me encontré en Madrid en el año 49 para preparar mis estudios de Bellas Artes. Y aquí he seguido. Las grandes ciudades son un error de nuestra cultura, de nuestra época. En ellas no se puede vivir bien.

XL. Creo recordar que para venir a Madrid necesitó la ayuda de su tío, también pintor.
A.L. Mi tío convenció a mi padre. Ahora lo pienso y digo: «Qué barbaridad, qué valor tuvieron mis padres para dejarme aquí a los 13 años».

XL. ¿Cree en la vocación?
A.L. Yo soy un ejemplo de vocación. ¿Cómo no voy a creer en ella? La mayoría de la gente no tiene un apego a hacer nada. Trabaja en algo que le da de comer y sueña con jubilarse.

XL. ¿Le gustaría morirse pintando?
A.L. Yo pienso en pintar, pero en morirme, no. Trabajo con un interés enorme. Y sigo soñando con empezar nuevas cosas.

XL. ¿No tiene momentos de crisis?
A.L. Sí. Los supero tomando un poco de café y aguantándome. Hay que acostumbrarse a esos momentos de desaliento; si no, abandonarías a los hijos, a la mujer, el trabajo, tu país... Hay que tener paciencia.

XL. Su mujer, María Moreno, es pintora, ¿le critica?
A.L. Mari es muy guapa, tiene mucha belleza y mucho encanto. Nos hemos llevado siempre muy bien. A mí me parece una ventaja que también ella sea pintora y está muy contenta de que yo tenga más éxitos, de que yo tenga un poco la voz cantante en ese sentido.

XL. Llevan 47 años casados. ¿Le ayuda ella a poner los pies sobre la tierra?
A.L. Nos ayudamos a todo, a poner los pies, a quitarlos...

XL. Usted puede estar años trabajando en una obra. Tendrá que decidir muy cuidadosamente lo que va a pintar, ya que sabe que va a estar en ello muchos años.
A.L. La ventaja del pintor es que lo único que invierte es su tiempo. De manera que si la pintura o la escultura que estás haciendo te deja de interesar, la abandonas y no pasa nada. Eso no lo puede hacer un arquitecto, que no puede dejar un encargo. Ni un cineasta, un actor, un director. Se `joroban´ y continúan. Nosotros, sin embargo, lo dejamos y nadie se entera. Trabajas con una libertad extraordinaria en ese sentido.

XL. ¿En qué momento sabe que ha terminado una obra?
A.L. Hay muchas cosas que te pueden hacer ver que ya tienes que dejarlo: que tú te canses, que no te guste bastante y notes que no puedes continuar, que los que están esperando ya no quieran esperar más… Entonces, tú aceptas que se quede como está. Hay muchos motivos. Entre ellos, que notes que has llegado a tu tope, a tu límite. Sí, eso también pasa. Pero muchas veces ocurre que te cansas o se cansan los demás. Se crea un cerco de dificultades que te lleva a elegir poner el punto final.

XL. ¿Alguna vez alguien se ha llevado un cuadro terminado y, después, un año o dos más tarde, a usted se le ha ocurrido ir a retocarlo?
A.L. Tiene que estar bien acabado un niño cuando nace. Tiene que estar bien acabado un piso cuando te vas a vivir en él. Pero un trabajo humano de estas características podrías continuarlo casi siempre, sin mayor problema.

XL. ¿Cree usted que es pertinente hablar de belleza hoy en día a la vista de cómo ha evolucionado el arte? Cuando hablamos de belleza, ¿de qué hablamos?
A.L. Las mujeres y los hombres se quitan y se ponen pelo, se afeitan, se ponen labios, se ponen pechos, se ponen culo, se quitan culo. No se hace casi otra cosa. Ahora más que nunca, parece que el hombre sabe lo que es la belleza, lo que es atractivo. Y eso pasa en el arte también. Lo que ocurre es que no es una belleza, en el caso del arte, reglamentada, como en el Renacimiento.

XL. ¿Qué tipo de belleza tiene usted en la cabeza? ¿Es un ideal de belleza más conceptual que estético?
A.L. La belleza tiene más que ver con la verdad que con un canon. Antes no era así, en el siglo XVII, en el XVIII… Ahora, lo que todos buscamos es que aquello transmita veracidad. Pase lo que pase, aunque sea aparentemente feo o no sea muy agradable. Cuando Van Gogh hacía su bota, no creo que la mostrara porque fuera bella, eran unas botas viejas. Lo pintaba porque le parecía que tenían emoción, que podían transmitir algo.

XL. ¿Cree que es a partir de Marcel Duchamp cuando se produce ese cambio en la historia del arte?
A.L. Velázquez es muy anterior a Marcel Duchamp, y mucho mejor. Ya Velázquez buscaba la verdad. ¡No me hables de Marcel Duchamp! Como si él se lo hubiera inventado. ¡Que no, hombre! Que una escultura egipcia puede tener una veracidad extraordinaria. No me quieras convencer ahora [ríe]. Yo no pienso en Duchamp nunca, la verdad. Me las arreglo sin él. A lo mejor hago mal, nunca se sabe, todos somos incompletos.

XL. ¿Qué le pasó en aquel viaje a Italia cuando fue a buscar a los renacentistas italianos y se llevó la gran decepción? ¿Qué fue lo que le decepcionó?
A.L. No lo sé. Lo vi muy joven, junto con mi amigo Francisco López. No sé qué idea nos hicimos de lo que era aquello. Algunas cosas que desdeñé entonces, cuando las he vuelto a ver, me han parecido realmente buenas. Creo que te puedes equivocar antes, mientras y después. El aprendizaje es una constante rectificación del camino, tú vas en una dirección, pero siempre estás rectificando.

XL. Supongo que todo le influye, la televisión, lo que observa por la calle, otros artistas. Siempre leí que Dalí había sido una gran influencia para usted.
A.L. Mucha, pero no… La influencia primera y poderosa fue Grecia, a través de un museo que había de reproducciones aquí en Madrid. Yo fui a dibujar allí durante meses. Allí conocí, en reproducciones, el arte griego de la escultura, y me impresionó muchísimo. Dalí vino después. Lo primero fue Grecia, me resultaba más fácil de entender que la obra de Velázquez o de Goya. Me sorprende la manera en que de tan joven conecté con el arte antiguo.

XL. ¿Tiene pintores favoritos?
A.L. Claro. Según la década, podía dar una lista distinta; irían apareciendo y desapareciendo nombres, aunque algunos siguen siempre. Leonardo me ha parecido un artista maravilloso. Le he sido fiel siempre. Me resultó fácil comunicarme con él y siento lo mismo ahora. Es como un deslumbramiento que comenzó nada más verlo. Velázquez resultó muy difícil; Goya, también. Picasso, fácil.

XL. ¿Qué le dice a la gente que piensa que no hay evolución en su obra?
A.L. Pues no lo sé, será así. Yo creo que eres mucho lo que tú sientes y, también, lo que los demás dicen. No hay que corregir nada, está bien, será así.

XL. ¿Qué pasa con el retrato de los Reyes y sus hijos?
A.L. Estoy en ello, es un cuadro que he abandonado y he vuelto a retomar y se ha alargado muchísimo la ejecución, demasiado. Pero creo que ahora sé más que cuando me lo encargaron, y lo haré mejor. Ahora miro mejor.

XL. Debe de ser un reto enorme para que hayan pasado más de 15 años en el proceso.
A.L. Sí, sí lo es. Porque rebasa los límites de lo que es tu propio criterio. En la mayoría de los cuadros basta con que te gusten a ti. En este caso, es un poco como el trabajo de un arquitecto que tiene que gustarle también a los que van a vivir allí. Es un encargo de unas personas que nos importan mucho a todos y que todos conocemos. Los Reyes no están allí mirándome cada día diciéndome su opinión. Pero yo me pregunto qué pensará ahora la Reina o la Infanta Elena o el Príncipe, ¿le gustará la cara que le estoy poniendo? Estoy todo el tiempo pensando en eso.

XL. ¿No han querido posar?
A.L. No se lo he propuesto. No se les puede pedir a los Reyes tenerlos allí, a tu disposición, todo el tiempo que necesites. Eso es impensable dada mi manera de trabajar. O lo hago así, a partir de fotografías, o no lo hago. Lo tuve claro, tenía que hacerlo de esa manera o renunciar.

XL. ¿Ha ido al Prado a ver a los antepasados del Rey?
A.L. Hay dos retratistas de reyes españoles muy grandes, Velázquez y Goya. Son una gran referencia. Porque tenían un gran amor a la verdad y, a la vez, una actitud solidaria, más que respetuosa, solidaria con el modelo. Sobre todo, Velázquez. Y a mí eso me vale mucho.

XL. ¿Usted la tiene también?
A.L. Me gusta esa actitud. De poderlo elegir, es la actitud que elegiría; otra cosa es que yo tenga esa capacidad.

XL. Si pudiera pedirles algo, ¿les pediría que posaran?
A.L. A veces, si fuera fácil, si fueran personas accesibles, les pediría venir una tarde porque me gustaría ver cómo tienen los ojos, exactamente el color. El color de la piel, de las mejillas, de las orejas, del pelo… A veces, lo pienso, lo siento. La fotografía te da muchas cosas, pero te hurta la precisión del tono, el último matiz. Eso lo echo de menos. No se puede tener todo. Tengo, sin embargo, todo el tiempo, unos gestos que pusieron en un momento determinado, que es el punto de partida para trabajar.

XL. ¿Le dieron a usted algún tipo de instrucciones?
A.L. No comentaban apenas nada, pero el Rey dijo algo así, creo recordar, que quería «que los retratara como una familia española más». Eso es algo que tengo en cuenta. En otra época, los reyes no tenían que decir nada, estaba claro cómo el pintor tenía que hacerles el retrato. Ahora, el Rey te lo tiene que decir, porque no tenemos muy claro cómo tienen que ser los retratos de los reyes hoy. Y la verdad es que yo tenía un gran interés en hacer, justamente eso, una familia española.

XL. ¿Le ha puesto fecha ya? ¿Ya hemos cambiado de octubre a...?
A.L. Pienso en las Navidades.

XL. ¿En las Navidades? Entonces, ¿está al caer?
A.L. Está al caer.

XL. Ésta es la noticia del día.
A.L. No, no. Yo no lo doy como noticia, lo doy… Siempre piensas en una fecha. He pasado de octubre a Navidades, vamos a ver.

XL. ¿Cómo va con la serie de los seis cuadros de la Gran Vía?
A.L. En cuanto acabe con el retrato real volveré a ellos. Los hago a la vez. Con mucha relación entre ellos. Están hechos desde la quinta o la sexta planta.

XL. Cuando pinta a pie de calle, ¿qué pasa con la gente?
A.L. Me gusta estar con la gente. Es una experiencia que yo viví con mi tío, que trabajaba del natural. Se iba al campo, iban a verlo… En fin, el pintor, entonces, como el herrero, o como casi todos los oficios, se hacía entre la gente. Recuerdo en el pueblo estar con las puertas abiertas y veías a los zapateros, a los carpinteros, a la señora barriendo la calle. La vida la veías con el trabajo.

XL. Usted es el artista español vivo que más alta cotización ha tenido. ¿Qué le han parecido los récords de la subasta de Damien Hirst?
A.L. El arte es algo tan antiguo como el hombre. Y ha sobrevivido adaptándose a las épocas. Vivimos en una etapa en donde el dinero tiene una presencia brutal, también la tiene el deporte. Yo no creo que el deporte tenga tanta importancia como para hablar de tantos millones como se habla ahora. Antes se vivían de otra manera las cosas. Yo lo que veo gravísimo es que no te quieran, que no te necesiten y que no te `comas un rosco´. Eso me parece dramático. Es lo que vivió Van Gogh, un drama que acabó con su vida. Lo otro son cosas circunstanciales. Si cambian las circunstancias y la situación se pone difícil, las fiestas acabarán. Pero el arte siempre interesará, siempre se protegerá al artista y se lo alimentará, como al médico. Cuando la sociedad necesita algo, actúa de modo que esa persona esté disponible para hacer ese trabajo. Al pintor de Altamira le llevarían algún trozo de carne los cazadores, porque lo tenían allí trabajando. Yo creo en eso. A lo otro no hay que darle importancia.

XL. ¿Qué piensa de la cúpula de Barceló?
A.L. Las cosas hay que verlas. Puedes tener muchas simpatías, antipatías, sentimientos, sensaciones a partir de lo que te dicen, de lo que ves en la prensa, pero las cosas hay que verlas.

XL. ¿Y sobre la polémica que se ha creado alrededor con el tema de su financiación?
A.L. Yo no le doy importancia a eso. Porque si lo vale, dentro de nada se va a hablar de ella como de El Escorial, de algo que tiene valor para todos. Si el dinero ese había que haberlo gastado mejor en esto o en lo otro… todo se puede decir, pero todo se olvidará.

XL. Usted ha dicho que «el arte mejora la vida».
A.L. Sí, la mejora. La mejora como espectador, muchísimo. Yo sé mucho más después de tener la experiencia que he tenido como espectador del arte. Y también me ha mejorado la vida como trabajador del arte, muchísimo. El arte mejora, el arte bueno, naturalmente.

XL. Al otro, ¿no lo llamamos arte?
A.L. Sí, hay que llamarlo también arte, pero es un arte corrompido y eso no mejora la vida.

XL. ¿Le parece que el arte es un antídoto para la crisis?
A.L. Para la vida, para las dificultades de la vida. Yo no sé si para la crisis. Yo creo que en las crisis lo que nos sacará del atolladero, no va a ser el arte. Será la ciencia, serán las cuentas que haga la gente que sabe y que nos diga: esto es lo que hay, el capital que hay, a ver qué hacemos. Yo creo, como Baroja, que la ciencia es la que va a decidir las cosas, si la sociedad actúa con juicio. Alguna ciencia, claro, porque también hay una corrupta. Ésa es peligrosísima, más que el arte todavía.

Ana Domínguez Siemens

Año 1995. López prueba variantes para su retrato de la Familia Real, pintado basándose en varias fotografías y encargado en 1993.

La verdad del cuadro más esperado

Lo que dice Antonio López...
«Lo comencé en 1993, basándome en unas fotografías tomadas en dos sesiones con la familia real. La primera sesión, en la Zarzuela, no fue bien –era por Navidades, el día estaba nublado– y yo necesitaba las fotos con luz natural: nada de focos. Hicimos entonces una segunda sesión en mi estudio, que fue muy bien. El cuadro, sin embargo, no parte de una sola foto, sino de varias: es un collage. Rescaté unos detalles de aquí y otros de allí. Mide tres metros por cuatro y medio de largo –el más grande de los míos– y está pintado al óleo sobre un lienzo de lino grueso, muy resistente, que preparé yo mismo. ¿Si se diferencia de otros trabajos míos? Difícil saberlo… Hablamos de un encargo, una oportunidad y un desafío para medir mis límites: hasta dónde es capaz de llegar uno cumpliendo con los otros y siendo a la vez uno mismo. He intentado hacer de este encargo un cuadro mío, sin que mi presencia eclipsara lo que debía pintar. Un equilibrio sutil y difícil. He intentado, ante todo, que el cuadro no traicione una tradición que me antecede en esta temática. Y estoy muy tranquilo y feliz con lo que quedará. Esta experiencia pudo ser catastrófica y ha sido enriquecedora, apasionante. Ya pronto, espero, lo verán. No sé bien cuándo. Lo importante es que el cuadro quede bien.»

...Y lo que dice Patrimonio
Palacio Real todas las semanas –muchas veces, con su mujer; son casi parte de la geografía del lugar–, donde ahora se encuentra el cuadro. La presentación oficial de la obra depende de cuando él, no nosotros, lo sienta terminado. El 18 de diciembre de 2003 se firmó un acta administrativa de recepción: administrativamente, está pagado y recibido. Sucede que existe otra figura administrativa –el derecho moral del autor– que permite al artista modificar la obra cuanto lo considere necesario. Don Antonio está ejerciendo ese derecho. Cuando lo dé por terminado, el cuadro irá al palacio de Aranjuez.»

Pepe Novelles

2009-03-08T00:16:00.000-08:00

Me alegra muchísimo ver como un artista que tanto ha dado a su entorno, y podría seguir dando muchísimo más, si su ciudad de una vez por todas fuera generosa y le dedicara alguna pared de las que adornan “nuestros” museos, para que pueda seguir regalando permanentemente su calidad e ingenio a sus ciudadanos, en realidad nos harían un favor a todos.

Como decía, me alegra ver como ayer en la inauguración de su última exposición, la sala se llenó, no solo de gente, si no de admiración, respeto, amor, cariño, amistad y un sinfín de sentimiento que a uno le hacen reconciliarse con el mundo.

No puedo decir otra cosa que... ¡ENHORABUENA PEPE!

Albert Vidal

2009-03-06T02:14:00.000-08:00

No cabe duda que hay que estar contentos con la oferta de exposiciones que Catalunya nos ofrece estos días.

No querría pasar de largo por las excelentes exposiciones que en mi ciudad hemos y podemos seguir disfrutando. En primer lugar recomendar asistir esta tarde a las 19:30h. a la inauguración de Pepe Novelles en la sala del Col·legi d’Aparelladors de Mataró. Y entre todas las demás, destacar y felicitar por su talento a Josep Mª Jodar y de igual modo a Laia Arnau que nos ofrece unas piezas absolutamente sensibles, misteriosas y llenas de belleza.

Por otro lado Barcelona, está pletórica. A nivel institucional tenemos la importantísima exposición que nos ofrece el MNAC sobre la obra de J. Sorolla, la cual todavía no he tenido el placer de visitar, pero no tardaré mucho en hacerlo. Como tampoco me perderé la interesante exposición de Joaquim Mir en el Caixa Forum.

A nivel de galerías privadas no puedo dejar de recomendar la exposición que Albert Vidal ha presentado a lo largo de este último mes en la Sala Parés.

Cuando yo era estudiante de Bellas Artes, la obra de Albert me impactó muchísimo y me abrió todo un mundo creativo en mi interior. Cuando vi por primera vez su obra colgada en la Sala Parés, que resultó ser su primera individual, tuve claro que yo quería ser pintor.

Lo que no sabía por entonces, es que meses después, una estupenda profesora de dibujo, Bibiana Crespo amiga de él y que conocía mi interés por Albert, mientras se producía el descanso de la modelo, se nos acerco a Ana y a mi y en voz baja, sonriente y satisfecha nos dijo, el chico que tenéis dibujando a vuestro lado es Albert Vidal. Ella le había invitado a clase.

Desde entonces le tengo una gran amistad y respeto, y me alegra que esta exposición haya sido todo un éxito, pues la obra y él se lo merecen.

Modest Almirall

2009-03-02T04:36:00.000-08:00

Estas maravillosas piezas creadas por Modest Almirall, gran amigo y maestro, pertenecen al total de 8 obras que la galería ArtLof /Anquin’s de Reus va a presentar la semana que viene en la feria Art-Karlsruhe organizada en Alemania.

No cabe duda que la obra presentada es exquisita, por lo que espero y deseo que sea todo un éxito. ¡SUERTE MODEST!

Fin de exposición

2009-03-01T04:38:00.000-08:00

El pasado fin de semana, la exposición que Ana tenía en la Galería Nolde de Navacerrada se dio por terminada. Aquí cuelgo algunas fotos de la exposición para los que no halláis podido ir a verla.

Bon viatge MESTRE

2009-02-22T01:12:00.000-08:00

Inauguración Ana

2009-01-15T13:48:00.000-08:00

El próximo sábado 17 de enero a las 18 h. estáis todos invitados a la inauguración de la primera individual que Ana realiza en la Galería Nolde.

Primera Crítica

2009-01-05T04:06:00.000-08:00

Hace unos días me llegó un artículo sobre mi exposición en Madrid y me gustaría compartirla con vosotros.

La clara delicadeza del cristal y las flores

Alberto Romero Gil es capaz de trabajar la realidad con elementos tan sutiles y delicados como las flores y cualquier variedad de vidrio. Con un fondo grisáceo que confiere un aura especial a sus naturalezas muertas, el pintor compone una serie de bodegones ingrávidos, a la vez que minimalistas. Su hiperrealismo ayuda a apreciar las flores a quien no se para a admirarlas, a quien no se detiene a aspirar su aromática esencia. Los temas sencillos son temas del arte tanto como los históricos: lo realmente difícil es sacar una historia del detalle aparentemente más nimio.

Además del trabajo de texturas, Romero Gil demuestra su interés por la luz en sus composiciones. Los elementos inertes, suspendidos en la neutralidad del ocre o gris, reflejan su correspondiente sombra, en un intento de captar cómo influye la luz sobre los objetos. Objetos que, por cierto, se distribuyen al alimón entre flores y útiles de cocina. El deseo de retratar la realidad, a través de su pincel, hace de Alberto Romero Gil un cronista aventajado de la realidad, un fotógrafo pictórico de la cotidianeidad, un artista obsesionado con retratar las pequeñas cosas del día a día. Hasta el próximo día 24 de enero, las fotografías al óleo de la realidad de Romero Gil, agrupadas bajo el título de "Pretérito Anterior", se podrán visitar en la madrileña Galería Estampa.

Ramuntcho Robles Quevedo

III Bienal Torres García

2009-01-03T12:00:00.000-08:00

En este breve post, quiero recomendar a todos los pintores que se presenten a la 3ª Edición de la Bienal Torres García, organizada por la Asociación Sant Lluc de Mataró, a la que desde aquí felicito y reclamo para ellos más apoyo tanto público como privado, pues pocas personas dan altruistamente tanto a esta ciudad.

Este año, como los anteriores y los que vendrán, consta de un importantísimo jurado. Y la dotación del primer premio para esta edición es de 9.000 €.

Sin duda os animo a participar. Las bases las podéis encontrar en la página Web de la Asociación Sant Lluc.

Fragmentos de artistas II - Regina Giménez

2009-01-02T01:44:00.000-08:00

¡Gracias!

2008-12-29T07:24:00.000-08:00

A la vuelta de Madrid, después del trabajo realizado, de los nervios de la inauguración y de los días posteriores de euforia, solo puedo escribir una cosa. ¡Gracias!

Gracias a ti Ana, por tu compañía, consejos, comprensión, y por tu amor.
A mis padres por su generosidad y por empujarme a seguir.
A mi familia por estar ahí.
A Manuel y Virginia (Galería Estampa) por ofrecerme esta exposición y cuidarla tan bien.
A los amigos que me acompañaron: Iñigo, Almudena, Rocío madre e hija, Alfonso, Elisa, Carmen, Eduardo, Juan Manuel, Fernando, Juan y Susana.
Y a los que de una manera u otra me apoyan incondicionalmente, y no sabéis lo que se agradece: Modest Almirall, Jaume, Teresa Riba, Jaume y Teresa Roig, Miquel Angel y Isabel Llaquet, Antoni Luís y Núria, Daniel Llin, Ferran, Josep Jodar, Laia Arnau, Pere Pascual, Vern Bueno, Joan Salicrú, Albert Alís, Josep Mª Codina, Juan Amiano, Albert Vidal y Keiko, Ferran Josa, Eloy Morales, Chema Gutiérrez, y a Michele del Campo.
Y a mi lametona Trufa que consigue hacerme reír en el día más gris.

Gracias a todos los que nombro y a los que no.

Para los que no podéis ir a ver la exposición aquí tenéis unas fotos del montaje. Si queréis ver todas las obras allí expuestas podéis ir a la página de la Galería o a la sección (Proyecto actual) o (Obra anterior).

Galería Estampa

2008-12-20T01:59:00.000-08:00

Dentro de 4 días a las ocho de la tarde, por fin todos los cuadros que he estado trabajando van a ser expuestos en la galería Estampa de Madrid. No hace falta decir que estáis todos invitados. Aquí tenéis una pequeña muestra de lo que se podrá ver.

Stand by

2008-12-08T10:47:00.001-08:00

El próximo 23 de diciembre inauguraré mi primera exposición individual en la galería Estampa de Madrid. Por la proximidad de la fecha, el trabajo estos días está siendo duro, por lo que he dejado de publicar en el blog, hasta mi regreso.

En este último post me gustaría, cómo no, recomendar tres exposiciones que casualmente se encuentran en mi próximo destino, Madrid. Una sin duda es la de Rembrandt en el Prado, la segunda es la exposición que se inauguró hace unos días en la galería Jorge Alcolea, donde se pueden ver las últimas obras de Regina Jiménez que sin duda serán espectaculares. Y la última es la exposición que precede a la mía en la galería Estampa, una exposición titulada Objetos deseados de Eduardo Arroyo.

Si queréis ver la obra que llevaré a Estampa, podéis seguirla en la ventana Proyecto Actual, que iré (posiblemente) actualizando hasta el día de la inauguración.

Nos leemos.

PD: A parte de viajar a Madrid a ver estas exposiciones, no estaría nada mal acercarse a Barcelona, para ver las cuatro interesantísimas exposiciones que nos presentan el MNAC, Caixa Forum, Artur Ramón y Carles Taché, sin olvidar la magnífica exposición que tenemos en Mataró de Josep María Codina en el Espai Capgros.

¡Grande Barceló!

2008-11-11T11:25:00.000-08:00

Fragmentos de artista 1 - Los Santilari

2008-11-06T04:41:00.000-08:00

De nuevo Lux360

2008-11-04T11:55:00.000-08:00

El mes pasado fue Ana y este mes me toca a mi. Lux360 ha publicado un artículo sobre mi obra.

Error informático

2008-11-04T11:50:00.000-08:00

Mala hierba

2008-11-01T05:28:00.000-07:00

LU XUN

DE CÓMO EXPRESAR UNA OPINIÓN

He soñado que estaba en el aula, en la escuela primaria; tenía que escribir una composición y preguntaba al maestro que tenía que hacer para expresar una opinión.

-Esto es difícil – respondía éste mirando de reojo por encima de sus gafas-; te explicaré una historia.
Había una vez una pareja que tuvo un hijo y hubo una gran alegría en la familia. Al cabo de un mes del nacimiento los padres presentaron el niño a los parientes y amigos, esperando sin duda que la criatura recibiera cumplimientos y buenos augurios.
>>Uno de los invitados dijo:
-Este niño hará fortuna -por lo cual recibió muestras de agradecimiento.
>>Otro dijo:
-Este niño llegará a ocupar un cargo elevado -por la cual cosa recibió numerosos cumplidos.
>>Un tercero dijo:
-Este niño morirá - por lo que toda la familia se lanzo sobre él y lo golpeo.
>>Decir que la criatura morirá es expresar una cosa cierta; decir que tendrá fortuna y honores es, probablemente, una mentira. Con todo, los mentirosos son recompensados y el que dice la verdad recibe una paliza. En tu caso..
-Yo no quiero decir mentiras, pero tampoco quiero recibir una paliza. Decidme que debo hacer.
-Pues habrás de decir,(Oh! Ah! Mirad este niño! Para mi que... Oh! Ah! He, he. He, he, he ...)

“Mala hierba” de Lu Xun

Eloy Morales

2008-10-29T02:13:00.000-07:00

Este mes se puede ver en la galería Ansorena de Madrid, la obra más reciente de Eloy Morales.

La primera vez que vi una obra suya, fue en la Galería Jorge Alcolea. Era el día de la inauguración de una colectiva donde también exponíamos Ana y yo. Su pieza, de 160 x 160 donde se retrataba la cabeza de un nadador, estaba colgada en la planta de abajo, te la encontrabas de frente nada mas bajar por las escaleras e impresionaba mucho. Sin duda reinaba en la sala, hacía pequeñas y mediocres al resto de obras que colgaban a su alrededor.

Desde aquel momento pensé que Eloy Morales era ese tipo de pintor que podía pintar cualquier cosa, y así lo demuestra en esta exposición.

La obra estará expuesta en la galería Ansorena del 14 de octubre al 14 de noviembre de 2008.

Exposiciones diversas

2008-10-24T04:43:00.000-07:00

Ayer fuimos a Barcelona a la inauguración de David Casals en la Sala Parés, que estará expuesta del 23 de octubre al 18 de noviembre. Como ya es costumbre siempre que nos acercamos a Barcelona intentamos hacer repaso de las exposiciones que estén en curso como la que tiene María Perelló en la galería Jordi Barnadas que vuelvo a recomendar o la de Guinovart en Artur Ramon.

Entre muchas otras, fue una sorpresa y un gozo ver la exposición de Cornelia Parker en la Galeria Carles Taché. La obra es exquisita con un gran grado de pulcritud y gusto, que a mi entender cimienta muy bien su discurso formal. Sin duda disfrute muchísimo.

María Perelló

2008-10-22T03:21:00.000-07:00

Ayer martes 21 de octubre se inauguró en la galería Jordi Barnadas de Barcelona la última exposición titulada “dolç i salat” de esta pintora catalana, que recomiendo al 100%.

La obra estará expuesta del 21 de octubre al 11 de noviembre.

Alejandro Quincoces

2008-10-20T06:12:00.000-07:00

Estos días por falta de tiempo, no he podido recomendar una exposición que marca el inicio de una magnífica temporada expositiva en la galería Sala Parés.

La galeria ubicada en la calle Petrixol número 5 nos ofrece este año exposiciones de: Julio Vaquero, Albert Vidal, Miguel Macaya, Marcos Palazzi, Felix de la Concha, Alwin Van der Linde, Pablo Maeso, David Casals o Marcos Cardenas, y para abrir la temporada han querido empezar con un plato fuerte, trayendo a un gran pintor como Alejandro Quincoces.

Me alegra y ya iba siendo hora que las galerías catalanas, comiencen a traer artistas sobradamente consagrados que apenas son conocidos aquí. Espero que tras Quincoces y Eduardo Naranjo (Galería Tres Punts), se abran las puertas a otros.

José María Mezquita

2008-10-05T23:34:00.000-07:00

Paralelamente al curso que Antonio López impartía en Ávila, en unas aulas contiguas a la suya, otro grandísimo pintor estaba haciendo lo mismo con otros 20 alumnos.

Para mí, Mezquita es uno de los grandes, y no sólo por su trabajo, si no por cómo lo lleva a cabo. Quizás lo que más me impresiona de él es eso, su modo de trabajar, tan peculiar y casi obsesivo.

Por supuesto, trabaja del natural, con lo que ello conlleva a nivel de esfuerzo, imprevistos y voluntad. Luego con un lápiz intenta colocar las medidas exactas a modo de coordenadas (con un método matemático), sobre el soporte, y una vez hecho esto comienza la pintura con soltura, gracia y frescura. Personalmente, cuando me acerco a la superficie de sus cuadros y observo toda esa batalla, me emociono muchísimo, es como la vida, un intento de ordenar el caos, la lucha de la ciencia contra el espíritu, la razón contra la locura, la matemática contra la magia, y sin que ninguna de ellas gane ni pierda. Definitivamente algo impresionante.

EXPLORANDO LA NATURALEZA DESDE UN TABURETE DE ANEA

José María Mezquita Gullón

Es como avanzar a través de una jungla, abrirse camino en una selva enmarañada; ya no es el frío, el calor o el lugar en el que uno ha de acomodarse, hacerlo habitable. Abrirse paso a través de una densa maraña, todo te estorba, te incomoda, las zarzas prenden en tus ropas, las ramas golpean en tu cabeza, y el piso es irregular y lleno de brusquedades y sobresaltos. Esto es diferente evidentemente a avanzar por una senda abierta y uniforme. Esto no tiene nada que ver con un camino transitado, ya conocido.

En realidad lo que estoy haciendo, o lo que he hecho hasta ahora, es iniciar un camino y abandonarlo, iniciar otro y cambiar de dirección; cada etapa, cada cuadro, es un camino más o menos largo; cambiar la técnica, corregir la técnica para acomodarla a las nuevas necesidades. Una vez, el predominio de la línea, un solo color; partir de la superficie del lienzo en blanco e ir acabándolo por zonas concluidas hasta ocupar la totalidad de la superficie del lienzo, o trabajar capa sobre capa de pintura, para luego superponer la geometría. Incorporación de la entonación con su predominio sobre la línea. No se trata de dar rodeos, se trata de explorar diferentes caminos que surgen como posibles. No significa que carezca de un objetivo claro, se trata de terminar con esta exploración y encontrar el camino que te lleva en línea recta hacia ese objetivo.

Cada camino nuevo emprendido significa (por supuesto partiendo de todo el acopio de experiencia acumulado) acoplar todos los medios técnicos a esa nueva táctica, a la que uno debe acomodarse, y afinar todos los valores que maneja, y esto en períodos de tres o seis mese. O más…

Uno de los problemas es la duración del experimento; lo ideal sería reducirlo a unos pocos días, para que las ideas que surgen puedan realizarse, de otro modo, al cabo de tres meses, las circunstancias han cambiado y la idea fresca puede haberse diluido. Pero la mecánica del proceso requiere mucho tiempo, más del que sería deseable. Esto tiene que ver con la tecnología artística, que no ha variado sustancialmente en muchos años, y de la que la industria no se ha ocupado, al menos de algunos de los aspectos más vitales que conciernen a aquellos que trabajan manualmente a partir de la realidad. En mi caso he tomado para mi uso habitual algunas herramientas creadas por la modernidad, que no estaban en absoluto previstas para estos fines.

La esperanza y cierta torpeza, son consecuencia de los continuos cambios, de la falta de continuidad en una única dirección, de la contradicción entre el orden y la libertad.

Pero eso implicaba cortar en seco el proceso seguido hasta ese momento. Traducir el mundo vegetal de manera forzada y mecánica, conducirla a “uniformar” el complejo mundo vegetal con un “estilo”, sin estar persuadido de haberlo entendido totalmente. No es lo mismo un árbol situado a cierta distancia en un paisaje abierto a plena luz, que las imágenes cercanas de las raíces que afloran en la penumbra. Así, que opté por seguir y proseguir con los procesos y análisis a partir del punto en el que se encontraban planteados.

Desde 1.983 y 1.984 á 1.999, el recorrido ha consistido en el siguiente proceso: Desarrollar todos los análisis y recorrer todos los caminos que surgían, y las posibilidades plásticas que presentaba cada nuevo tema, aplicando todas las experiencias anteriores. Lo que es indudable es que la conciencia adquirida en cuanto a los valores de la geometría y su capacidad expresiva, tenían que empezar ya a manifestarse en la imagen de cada obra. Pero la geometría se manifestaba de forma más evidente, en aquellas formas vegetales cuya estructura respondía a una geometría aparente.

Durante ese largo período, la nueva conciencia ha ido madurando, merced a la lenta asimilación de ese complejo mundo vegetal. Y es en el verano de 1.999 cuando se manifiesta sin mediar esfuerzo alguno, con fluidez, con la naturalidad de un alumbramiento espontáneo, que era esperado pero que sorprende cuando se presenta, sin que haya respondido a una fecha predeterminada.

Es evidente que se pinta, se investiga, con la ilusión y la esperanza de la culminación en un resultado, pero no se dispone de una idea, ni se tiene una imagen preconcebida del resultado. Y cuando surge esa imagen sobre el soporte, se reconoce que su identidad responde al ser y al misterio del mundo vegetal: ¡Esto sí, esto si es lo que esperaba!

A partir de ese momento comienza una etapa que podría llamarse de consolidación de ese proceso, pintando con la nueva conciencia de que era capaz de explicar de una manera no forzada la complejidad vegetal y mineral. Y evitando constantemente el riesgo, que para un pintor que parte de la realidad, tiene el tirón muy fuerte de la propia realidad, para reconducirte de nuevo a una representación literal, a costa de los sueños.

2004

Para poder trabajar todos los días, no basta con disponer de un cuadro para los días nublados, y otro para los días con sol. Hay otras variables muy frecuentes.

Busqué un tema que pudiera hacerse con cualquier tiempo (salvo la lluvia); que no influyeran ni el sol, ni las nubes, ni el viento, y la técnica de la acuarela, como procedimiento más flexible. Había elegido un tema con este fin. Pero hay que hacerlo muy cuidadosamente, para no llevarse sorpresas. Salí de casa, pero no me puse un jersey grueso, pensé que en el lugar en el que iba a pintar, en el fondo del valle, no haría excesivo frío; allí no llega el viento.

Está a unos ocho km. Al llegar, compruebo que no podré hacer nada; el sol nace justamente detrás del tema elegido, un contraluz. El frío es muy grande. Vuelvo a casa y me coloco un grueso jersey, y tomo la caja de óleo para un tema de días de sol, pensando en las encinas a unos catorce km. Al llegar, compruebo que el sol se ha nublado, y el viento mueve las ramas del árbol; así que sigo camino hacia un nuevo tema a unos veinte km. que días antes había estado estudiando, y aprovechando el papel en blanco que llevaba para el tema frustrado por estar a “contraluz”, y no poder proseguir con el árbol por el viento y el cambio de luz. Cuando llego es media mañana, caen los primeros copos de nieve arrastrados por el viento, y el cielo se ha ido cubriendo de nubes grises y transparentes, el sol aparece detrás, como un disco blanco, apareciendo luminosidades donde el velo de las nubes es más transparente.

Frío. El cuerpo se resiste a salir del coche… Coloco el equipo completo, y el papel retemblando sobre el soporte como una vela blanca; la nevada arrecia, pero no es densa. Empiezo a trabajar con una idea: situar sobre el papel las líneas del horizonte, y las líneas y puntos suficientes que fijen con precisión la situación del tema; una vez elegido el encuadre, fijarlo con precisión. Con esta operación realizada, concluida, no he perdido la mañana, he ganado una sesión. Esto es todo lo que puede hacerse.

La tarde

Pasé de largo ante la encina, pues a pesar del sol, el viento era fuerte.
Unas pocas líneas, pero algo empezaba a materializarse. El viento soplaba fuerte, es difícil tomar mediciones.

Recién entrado el invierno, en ésta época del año las tardes con luz son muy cortas, el frío es intenso, el viento no permite tomar mediciones más comprometidas, las masas más definidas son las que he podido trasladar; no voy a poder hacer mucho más, son las cinco y veinte en mi reloj, no voy a disponer de mucho más tiempo, la luz disminuye. Recojo sin prisa y sin pausa el equipo. Cuando acabo, la luz ha disminuido sensiblemente. Al día siguiente, cuando salí de casa, noté la fría caricia del viento en la cara, como un presagio.

Cuando llegué a la colina, la pista forestal estaba endurecida y helada; en las pequeñas huellas que dejó la máquina en la construcción de la reciente pista, se depositó el polvo blanco de hielo que no pudo arrastrar el viento, y también las colinas presentaban el mismo aspecto con el hielo depositado en los abrigos. El frío era más agudo que nunca. Una vez fuera del coche, por la inercia de la costumbre, coloqué el equipo en su lugar, me senté en el alto taburete y encendí un cigarrillo, es el ritual, pero debí refugiarme enseguida en el interior del automóvil.

Podría esperar a que avanzara la mañana y disminuyera el frío, que cesase el viento; pero eso previsiblemente no iba a ocurrir. ¿Qué podía hacer? Me acordé de una experiencia anterior, en la que de no ser porque se heló el color podría haber seguido pintando; el frío lo aguanto muy bien en los pies y las manos, pues aunque estén entumecidas, me basta con que puedan sujetar el pincel. Pero hoy el frío era superior, muy agudo, no habría podido mantenerme sobre la silla; las orejas se me congelaban, me las tapé con las manos; pensé que debía de haber traído un pasamontañas. Me acordé de que mi traje contaba con una capucha. Se me ocurrió hacer una prueba; vertí agua sobre la paleta, y la envolví con el pincel al color, enseguida se formaron cristalitos y a continuación un bloque de hielo. Esto despejaba cualquier posible duda. Era el momento de regresar a casa.

Al día siguiente me enteré por el pastor, que el termómetro había marcado diez grados bajo cero.

2 de diciembre 1.998

A parte del viento y las nubes, puede darse un día con un cielo despejado, en el que una sola nube se empeña en permanecer delante del sol media mañana, como para probar la paciencia; o bien un cielo poblado en su totalidad de blancas y algodonosas nubes, y el sol alumbra ininterrumpidamente sin el menor impedimento. Es muy difícil predecir antes de salir, antes de decidirse a salir de casa, si el tiempo permitirá hacer una elección de lo más conveniente. Podría pensarse en una tercera solución: llevar los dos cuadros, el de sol y el de días nublados. Lo que ocurrirá entonces es, que cuando coloques el cuadro para sol se nublará, y cuando después de haberlo retirado y colocado el de días nublados y te dispongas a proseguir, saldrá el sol. Esto es lo que me ha ocurrido. Así que cruzarse de brazos y a esperar. Quedarse en casa sería la opción más práctica. Pero así se corre el riesgo de que el cuadro quede sin concluir, si la naturaleza va más aprisa que yo.

Habrá días que haré cuatro rayas, otros más y otros el aprovechamiento de la jornada será total, completo.

Fresnos

Los fresnos son más frágiles al viento por sus ramas finas y sus hojas más delicadas que las encinas. Las raíces es el tema en el que sólo la lluvia impide el trabajo, pues están situadas en la penumbra de una bóveda vegetal, en una trinchera, fuera del alcance del viento.

El tema vegetal de las raíces está a unos ocho km. Por la mañana cuando llegué estaba todo blanco, helado. El agua se congeló en el recipiente de porcelana, pero pude seguir dibujando porque el tintero no se helaba el dibujo a tinta de línea no es tan exigente como la acuarela, así que con alguna dificultad pude proseguir. Pensé que si aplicaba la tinta con una brocha grande podría helarse sobre el papel. Pero cuando el dibujo estuvo a punto, el termómetro marcaba por encima de cero grados. Desde hace algún tiempo el termómetro forma parte de mi equipo habitual.

Por la tarde, seguí con un nuevo dibujo. Hacía un cielo despejado y un sol radiante. A última hora, poco antes de ponerse el sol terminé de dibujar, pensé que me daría tiempo a aplicar la tinta, antes de que la falta de luz me impidiese seguir, y empecé los preparativos, pues el acto de aplicar la tinta con la brocha lleva poco tiempo. Tendí con la gran brocha la tinta sobre el papel, en posición horizontal, y esperé a que lo absorbiera. Pero antes de que esto ocurriera, el hielo tomó el protagonismo, y una serie de formas cristalinas se fueron extendiendo por el papel en toda su superficie. Me gustó el efecto, y como temí que al descongelarse desapareciera, lo llevé horizontal hasta el coche.

Michele del Campo en Mark Jason Gallery

2008-10-03T03:11:00.000-07:00

Esta semana termina la primera exposición que Michele del Campo ha inaugurado en Londres, y lo ha hacho en la galería Mark Jason.

A Michele lo conocí en las primeras inauguraciones a las que asistíamos en Madrid, cuando Ana y yo empezábamos a trabajar con Jorge Alcolea. Ya por entonces impresionaban muchísimo sus cuadros, eran enormes y sorprendía que alguien pudiera desenvolverse tan bien y sin perder frescura al pintar en un lienzo tan grande.

Desde entonces, año tras año ha ido mejorando muchísimo, y esta exposición es una clara muestra de su sabiduría pictórica.

Los hermanos Santilari

2008-10-01T12:42:00.000-07:00

Sin duda, Catalunya tiene actualmente grandes pintores figurativos, como Julio Vaquero, Pedro Moreno Meyerhoff, Xavier Serra de Rivera o los hermanos Santilari. Estos últimos, actualmente están exponiendo en el Espai Volart de Barcelona, espacio gestionado por la fundación Vila–Casas.

Es una exposición muy interesante, a parte de ver la magnifica obra expuesta, sobre todo los bodegones a lápiz que llegan a un nivel de calidades maravilloso, hay un video donde se puede ver su estudio e intuir su modo de trabajo, sin duda algo muy interesante para cualquier espectador que tenga un cierto interés por todo aquello que rodea al artista.

A continuación transcribo el texto escrito por Sergio Vila-Sanjuán que se publicó en el suplemento Culturas (magnifico) del periódico La Vanguardia, con motivo de su exposición en la galería Artur Ramon en 2006.

Es interesante la reflexión que hace sobre la promoción que Catalunya hace de sus artistas, y en concreto Barcelona, con esa línea tan sectarista y monocolor a la que nos tiene acostumbrados.

¿ARTISTAS PARA EXPORTAR?

Antonio López fue hace unos días a visitar la exposición de los Santilari. Y horas más tarde, en una conferencia, dijo que en cuanto a la plasmación de la luz, eran varias veces superiores ¡a Zurbaran!

Y es que con los gemelos de Badalona resulta fácil recurrir al superlativo. Entre colegas y expertos el reconocimiento es unánime: son números uno en materia de técnica. Pero también lo son por lo que se refiere a ese don pictórico que parte de la perfección técnica pero la trasciende para permitir que se revele, de forma abrumadora, la realidad en sí. Algo solo al alcance de esos pocos artistas, tremendamente dotados, que han logrado auténtica empatía con el mundo visible. No pocos observadores coincidirían en que hoy por hoy los Santilari son probablemente las más destacadas figuras del realismos español actual después del propio López.
¿Cómo ha exportado Catalunya esta calidad? Pues de ninguna manera. Por alguna razón el arte de los gemelos no parece encajar en los grandes foros de resonancia, sobre todo a efectos de pensar una antológica, que es la forma Standard de afianzar trayectorias: no la veo en el Macba –nada mas contrario a la línea conceptual y engagée del centro de Manuel J. Borja-Villel que el arte intimista y atmosférico de los Santilari - ni en el MNAC- ¡demasiado Jóvenes? ¿una apuesta demasiado fuerte?- ni en el CCCB- ¿demasiado clásicos?-, ni en Caixa forum-¿¿¿demasiado???... No, no parece que la consagración de los Santilari vaya a venir de la mano de estos centros, y fuera de ellos Barcelona carece de espacios institucionales regulares de línea más indefinida y abierta a los outsiders de las tendencias dominantes, como ocurre en Madrid con el Conde Duque o el Centro Cultural de la Villa. Así que en el caso Santilari la solución estribaría quizás en su exportación por la vía galerística, pero eso hasta ahora no ha funcionado, nuestros circuitos no son lo bastante fuertes, y el realismo catalán llega eco y mal a Madrid y casi nada a las grandes capitales de la pintura figurativa como Londres, Nueva Cork. Artur Ramon i Navarro me comenta al respecto algunos planes de su galería, habrá que esperar.
En la primera mitad de los 80 todo el mundo sabía en Barcelona que el artista joven con más potencial internacional era Miquel Barceló, formado en la ciudad y pronto seleccionado en Kassel. Pero los centros en activo no reaccionaron y el primer gran reconocimiento en solitario vino del Capc de Burdeos, con una exposición que luego iría a Madrid. Barcelona tuvo que incorporarse más tarde a la ola del reconocimiento.
¿Pasará lo mismo con los Santilari?

Sergio Vila-sanjuán

Lux360

2008-09-26T12:42:00.000-07:00

El otro día recibimos una llamada de la revista gratuita Lux360, que se distribuye sobretodo en el Maresme. Una de sus secciones habituales se dedica de manera altruista a promocionar artistas jóvenes, y nos comentaron si queríamos participar. Y la verdad la revista está muy bien, tiene un buen contenido y el diseño para ser una revista gratuita es excelente.

Este mes ha salido Ana y el que viene si todo marcha según lo previsto saldré yo.

¡Enhorabuena Daniel!

2008-09-26T11:47:00.000-07:00

Me alegra que hayas sido el ganador, pues tu cuadro era el mejor, el mas sincero y auténtico.

Por suerte existen buenas personas

2008-09-22T01:35:00.000-07:00

No se si son Santos o mártires, pero lo que no cabe duda es que son excelentes personas. El equipo que se encuentra a la cabeza de la asociación con mucho esfuerzo, generosidad, ilusión, voluntad, bondad y sobretodo amor por el arte y los artistas, cada año concentran las energías suficientes para superar todos los obstáculos que se les presentan y poder así desarrollar multitud de actividades culturales que enriquezcan el panorama cultural de esta ciudad.

Son numerosas actividades que organizan tanto para sus socios como para el resto de artistas y ciudadanos, como la Colectiva, los viajes culturales, la Bienal, talleres, gestión de exposiciones y muchas más cosas que organizan con una gran cantidad de horas altruistamente dedicadas, e incluso añadiendo dinero de sus bolsillos, pero aun así tristemente suelen recibir críticas injustas y malintencionadas.

Cada año la colectiva se convierte en su talón de Aquiles, sea por la calidad, o por el jurado, siempre hay que criticarlos. Desengañémonos, la colectiva es lo que es, y si alguien quiere que sea algo más, pues que participe, que los árboles no dan fruta si no se les riega. Por que para que una exposición tenga calidad, primero la tienen que tener las obras allí expuestas, por lo tanto la responsabilidad recae sólo en nosotros.

A mi modo de ver ellos son los menos culpables, seamos justos, sólo gestionan, ya somos todos grandecitos para diferenciar entre organizadores y jurado. Y si alguna vez el jurado ha cometido una injusticia, que lo ha hecho, pues hay que estar a la altura y darle la importancia que tiene. Cuando uno esta seguro de su obra y de su carrera profesional, el criterio subjetivo de seis personas no debería convertirse en un drama, y desde luego no deberían cobrar justos por pecadores.

Lo que pasa es que los artistas solemos caer muy pronto en la egolatría, el narcisismo, la comodidad y la falta de autocrítica, cometiendo el gran error de empobrecernos por no querer mirar más allá de nuestro ombligo, pero por suerte el tiempo coloca a cada uno en el pedestal que le corresponde.

¿Alguien se ha preguntado que nos quedaría si el Sant Lluc desapareciese?, quizás los que más los critican se quedarían todavía más huérfanos en esta ciudad, que ya es decir.

Marzo de 2008

2008-09-19T10:01:00.001-07:00

La originalidad en la obra de arte

2008-09-19T10:01:00.000-07:00

No miento si digo que hasta hace un año y medio, no conocía la obra de Avigdor Arikha. Digo esto, porque desde hace seis años una parte de mi trabajo se ha centrado en representar objetos en su propia soledad. Al ver la obra de Avigdor he comprobado que mis temas tenían mucha conexión con los cuadros de este artista rumano.

Pero nunca pensé que pudiéramos coincidir tanto en la elección de los temas. Menuda sorpresa me llevé en su exposición, cuando vi un óleo muy parecido a una monotipia (gravado) que había hecho yo hace tiempo en la facultad.

No deja de ser curioso, aunque por otro lado en cierta manera es normal, somos dos ciudadanos del mismo siglo, con lo que ello conlleva en similitudes y vivencias.

Hay días felices

2008-09-15T12:05:00.000-07:00

El pasado sábado 6 de septiembre, Ana inauguró en el Museu Monjo de Vilassar de Mar.

Creo que no pudo ir mejor, la exposición es espléndida y nuestros amigos respondieron como nunca, llenando la sala y dándonos calor, por lo que les doy las gracias.

Me alegra que Ana haya podido hacer esta exposición, y creo que le ha venido en el mejor momento, después de una temporada de cambios y luchas internas con la pintura y un beneficioso y fructífero aprendizaje con Antonio López, creo que ha encontrado el territorio donde desarrollarse con plenitud.

Sinceramente creo que hay obras realmente maravillosas, en donde demuestra lo grande que puede llegar a ser su pintura, una pintura llena de sutilezas, de pocas palabras pero precisas, donde los colores se deslizan con mucha suavidad pero sin erosionar su poder. Una pintura generosa, en donde la luz es captada en su plenitud dejando que lo envuelva todo.

Especialmente me maravilla los bodegones y el rincón destinado a su madre, desprende el calor y la sensibilidad (por no hablar de lo bien pintado que está) que este tema necesita, y hacía tiempo que no veía en mi entorno a nadie resolver una figura tan bien.

Sin duda tanto ella como yo tenemos que aprender mucho y pulir muchas cosas, no todo nos sale bien, y somos los primeros en reconocerlo pero tampoco exagero si digo que su pintura es esplendida.

Pero tal y como ocurre con otros artistas de Mataró parece que Ana no exista, es la olvidada de los olvidados y si es injusto en los demás más injusto es en ella por su calidad. Parece que nunca pase el “corte”. Digo todo esto porque me sorprende que el jurado de la colectiva del Sant LLuc nunca la seleccionara, o que el patronato nunca cuente con ella.

Menos mal que hay vida más allá de Orión, y por suerte sabemos que este no es nuestro campo de batalla.

No puedo decir nada más que enhorabuena. Ana se merecía esta exposición y de esta manera. Me alegra que por fin se pueda presentar como lo que es, una artista que está a la altura de sus compañeros, que no está a la sombra de nadie y que tiene carácter propio e independencia.

Ana García inaugura en el Museu Monjo

2008-09-05T01:01:00.000-07:00

Estáis todos invitados a la inauguración el próximo sábado 6 de septiembre a las 8 en el Museu Monjo de Vilassar de Mar.

Aquí tenéis un adelanto de la exposición

Avigdor Arikha

2008-08-05T11:18:00.000-07:00

He de reconocer que la primera visión de sus cuadros fue decepcionante y me desanimó al no encontrar lo que buscaba. Pero pronto, a medida que iba viendo más cuadro e iba recordando su forma de afrontar su obra (“Sólo lo que tuviera delante y mientras estuviera ante sus ojos. Durante una hora o un día. Empezar y acabar”), empezó aparecer el grandísimo pintor que con tanta ilusión había ido a ver. Sin duda su pintura tiene misterio, el misterio que sólo logran los grandes maestros, el que logra sin artificios transformar lo real en algo casi irreal.

Avigdor Arikha, héroe en soledad
El Thyssen dedica una retrospectiva al maestro israelí del hiperrealismo

EL PAIS - ÁNGELES GARCÍA - Madrid - 10/06/2008

Samuel Beckett definió la obra del pintor israelí Avigdor Arikha (Bukovina, Rumania, 1929) como una heroicidad en soledad. Y es cierto que su vida y su obra se han asomado muchas veces al filo. En tres ocasiones ha bordeado la muerte, según confiesa este singular artista que desde muy joven estuvo bien considerado por la crítica y los coleccionistas. Dos se debieron a motivos de salud. La otra, la verdadermente importante, no tuvo nada de físico. Sucedió en la mañana del 10 de marzo de 1965. Arikha se levantó aquel día con la profunda sensación de que había muerto como pintor abstracto, de que a partir de ese momento sólo valía la pena pintar del natural. Ni de memoria ni a partir de fotografías. Sólo lo que tuviera delante y mientras estuviera ante sus ojos. Durante una hora o un día. Empezar y acabar.

Su esfuerzo por captar la verdad busca preservar la huella de la vida

Tomada la decisión, centró su actividad en el dibujo, la forma más esencial de acercarse al arte. E investigó. En 1973, volvió plenamente a la pintura: desnudos, retratos, bodegones, jardines. La Fundación Thyssen (www.museothyssen.org) abre hoy al público la primera gran exposición que está dedicada en España a un pintor al que, desde aquella mañana de 1965, se considera uno de los grandes maestros del hiperrealismo. Es casi un centenar de obras, organizadas como si se tratase de una biografía, según explicó ayer Guillermo Solana, conservador jefe del Museo Thyssen y comisario de la muestra.
El recorrido arranca con sus dibujos y pasteles, "semillas y raíces de su pintura", en palabras de Guillermo Solana. En esta sala, se exponen algunas de sus primeras obras hechas con tinta, "el origen de su compromiso con el natural".
La exposición se adentra después en la pintura. De las paredes cuelgan unos 80 óleos divididos en dos espacios. Reciben al visitante las obras inspiradas en su vida cotidiana: el estudio, la biblioteca y su esposa, Anne.
De la intimidad doméstica y personal se salta al ámbito de sus relaciones sociales. Son retratos de hombres y mujeres cuyos rostros llamaron en algún momento la atención del artista. La forma en que resuelve los cuadros recuerda a veces a Lucien Freud; otras, a Bacon; e incluso, a Hopper.
El comisario aseguró ayer que este artista ha tocado todos los géneros y en todos ha sido un auténtico innovador de capacidad única para abordar los objetos cotidianos. "Ha reinventado los géneros con los que ha trabajado, mostrando siempre un enorme talento para jugar con los vacíos de la pintura".
El propio Arikha ha participado en la selección e instalación de las obras. Si Guillermo Solana lamentó que, en su opinión, el segmento creativo último de la vida de Avigdor Arikha queda algo incompleto por la escasa presencia de desnudos -uno de los géneros que han hecho más famoso a este pintor-, el artista se mostraba ayer emocionado con la exposición. Parco en palabras, es de los que prefiere que la obra hable por sí misma, pese a que como historiador y escritor ha pronunciado numerosas conferencias en el vecino Museo del Prado. Ayer, sólo su adorada naturaleza empañaba algo su felicidad. La lluvia cayó desde primera hora sobre Madrid e impedía que la luz natural entrara con suficiente fuerza para acompañar a la asombrosa obra. El artista halló este consuelo: "Han puesto un curioso tipo de iluminación artificial que no me disgusta del todo".

Un lugar llamado Ávila

2008-08-03T10:13:00.000-07:00

Ávila me ha dado tantos recuerdos, sentimientos, sensaciones, amigos, sabores, risas, menús (bueno, ese fue siempre el mismo), frustraciones y alegrías, que he necesitado varios días para poder ordenar todo eso y así escribir algo coherente.

Se puede decir que todo empezó muy bien y que acabó mejor aún. Cada conversación con Antonio es algo impagable, y desde luego una ayuda tremenda para ordenar y aclarar las ideas y la actitud de alguien que pretende ser pintor. Si el hecho de compartir horas de trabajo con Antonio ya es una excusa más que suficiente para estar contento, no es menos importante los compañeros que allí encuentras, muchos con una calidad superior a la de un servidor y de los que aprendes muchísimo, tanto en las horas de trabajo como en los momentos de descanso.

En definitiva, ha sido una semana perfecta. Gracias sobre todo a Antonio y María, y gracias también a mis compañeros en especial y perdonadme el resto, a Laia, Carmen, Josep, Alfonso, Juan Manuel, Emilio, Oscar, Santiago, Alexander, Dora, Jose Manuel, Marta y como no a ti Ana.

Gracias Antonio

2008-07-31T03:54:00.001-07:00

Nos leemos dentro de una semana

2008-07-18T19:40:00.000-07:00

Mañana Sábado 19 de julio de 2008 sobre las 5 de la madrugada, comenzaremos el viaje que nos llevará primero a Madrid y después a Ávila para pasar una semana al lado de un gran pintor y mejor persona.

Aprovechando que pasamos por Madrid haremos noche, y así poder hablar con amigos, resolver algo de trabajo y cómo no, intentar ver el mayor de exposiciones interesantes que seguro nos ofrece esta ciudad y que después comentaré en el blog.

Exposiciones como la del pintor rumano Arika que nos ofrece el Museo Thissen-Bornemiza, el par de piezas que tiene Joaquin Millan en Ansorena. Al día siguiente aprovecharemos el viaje a Ávila, y nos desviaremos hacia Navacerrada, para ver, en la galería Espacio Nolde, la exposición de Antonio Maya, pintor realista de gran calidad y alumno de Antonio López, cuando éste impartía clases en la universidad.

Y retomado de nuevo la carretera,... por fin ÁVILA, donde espero saber aprovechar y disfrutar lo que allí se genere.

Ana García Pérez

2008-07-17T06:40:00.000-07:00

Mañana saldrá publicado en el Tot Mataró, este articulo sobre Ana.

Ana García, la inquieta vocació
Pintora seleccionada pel tercer curs amb Antonio López

Laura Arias, fotos Xènia Sola Especials - Perfils dijous, 17 juliol 2008

Tot i que no en va ser conscient fins força tard, l’Anna sempre ha tingut una vocació: la pintura. Ella se’n va adonar durant els seus estudis a la universitat. “La facilitat que un té per una certa expressió artística em va fer decidir per estudiar Belles Arts, jo tenia unes inquietuds i a través de la facultat les vaig canalitzar”, explica Ana García. No va ser fins després de la carrera que va veure la possibilitat de dedicar-se a la pintura i avui dia viu d’ella.

Sens dubte, una de les experiències més gratificants de l’art és obtenir una beca. Ana García n’ha rebut diverses. “Passa poques vegades en la vida i és molt enriquidor a nivell vital, és una experiència molt bona”, afirma la pintora. La beca més recent portarà Garcia a Àvila, on ha estat seleccionada per tercera vegada per estar en un curs amb el cèlebre pintor figuratiu Antonio López. “Les beques que he fet amb Antonio López han sigut lliçons impagables”, assegura García.

Però Ana García no anirà sola al curs d’Àvila. La seva parella, Alberto Romero, que també és pintor, ha sigut igualment seleccionat per assistir al curs. En realitat, no és la primera vegada que van junts a una beca: “Hem coincidit en molts llocs, l’Alberto i jo”, explica Garcia.

No obstant, participar junts en cursos i beques és tant sols la punta de l’iceberg. “Ens recolzem l’un a l’altre, no seríem on som si no ho haguéssim fet junts”, opina García. Compartir sostre i una professió tan vocacional no sempre és compatible. Però en el cas de Garcia i Romero és positiu, segons la pintora. “Un no sempre passa per bons moments i tenir una persona tan a prop que no et regala les orelles, que no t’alaba gratuïtament la feina sinó que més aviat et fa una crítica constructiva ho fa tot més fàcil”, afirma García.

“El llenguatge és el de menys”

“A través de la pintura converteixes una cosa quotidiana en alguna cosa més”, afirma García
Si s’hagués d’emmarcar l’obra de Garcia en algun estil, aquest seria l’art figuratiu. Però, tot i així, ella no considera que el més important sigui treballar un estil o un altre. “No és que hagi de defensar l’art figuratiu com una cosa vàlida per si mateixa, sinó que s’ha de valorar cada obra en la seva mesura”, opina García. L’objectiu principal de la pintura és, per a ella, “aconseguir que la creació no sigui banal ni supèrflua”, independentment del mitjà d’expressió utilitzat. Ana García acostuma a plasmar en el llenç objectes o escenes quotidianes. “És una recerca per plasmar alguna cosa que m’envolta, que em captiva en un moment determinat i voler-ho convertir en una cosa transcendent, que a través de la pintura esdevingui rellevant”, expressa la pintora.

APUNTS

Defineix-te
Sóc una persona senzilla i optimista, positiva. M’agrada aprendre tot el que puc dels altres i sóc molt rebel amb el què no m’agrada. Sóc incapaç d’amagar res
Un llibre
“El lobo estepario”, de Herman Hesse
Una pel·lícula
“La lengua de las mariposas”, de José Luis Cuerda amb la interpretació de Fernando Fernán Gómez
Un viatge
Ho tinc clar, m’agradaria fer la volta al món, encara que no fos de cop
Un pintor
Velázquez
Un somni
Eradicar la ignorància d’aquest món i construir un món més just

NOS VAMOS A ÁVILA

2008-07-07T09:41:00.000-07:00

Hace unos días Ana y un servidor cerramos un sobre lleno de fotos de obras nuestras y lo remitimos con mucha ilusión y quizás con un exceso de optimismo a la Fundación Caja de Ávila, con la esperanza que al poco tiempo nos contestaran confirmándonos que habíamos sido seleccionados por Antonio López, para realizar un taller de pintura del natural bajo su batuta, en dicha ciudad.

Hace unas horas, nos han dicho que ya podemos ir preparando el viaje, porque hemos sido seleccionados ambos por Antonio. Cosa que nos ha hecho muy felices, la verdad es que todavía no nos lo creemos.

Mientras escribo esto, recibo más buenas noticias, y es que tanto Josep Mª Jodar como Laia Arnau, también han sido seleccionados por Antonio López, para participar en el mismo taller. Me alegro mucho por ellos, porque sé que esto hace mucha ilusión.

A si que Ana García, Josep Mª Jodar y Laia Arnau ¡¡¡¡FELICIDADES!!!! Y a disfrutar que esto ocurre pocas veces en la vida.

El Día y la Noche

2008-07-03T12:38:00.000-07:00

Ayer se inauguro en la estación de Atocha de Madrid las dos esculturas de Antonio López el Día y la Noche. Se trata de dos cabezas de su nieta, una despierta y otra dormida. Nunca antes, Antonio López, había realizado una escultura que superara en medida al tamaño natural, pues es muy peligroso porque puede provocar que lo representado se ridiculice, que pierda entidad.

En este caso, me parece totalmente lo contrario. Es curioso que cuando la mirada es tan profunda, el artista sea capaz de conseguir que aquello que representa se vuelva eterno y atemporal. Al cambiar de escala las esculturas, ha conseguido que no sólo veamos a dos niños si no a dos seres extraños, mitológicos, fuera de lo natural, y todo eso a través de algo tan cotidiano, tan inocente e inofensivo como dos cabezas de niño.

Madrid desde Torres Blancas

2008-07-02T13:26:00.000-07:00

Ayer sé publicó la noticia sobre la venta en Christie´s del sublime cuadro Madrid desde Torres Blancas de Antonio López García adquirida por 1.8 millones de euros. Antonio López ha dicho al conocer la noticia, que “lo único que importa es si la obra tiene dignidad”.

No sé si realmente ese es su precio, es algo que me supera. No me imagino con ese dinero en el bolsillo antes de entrar en una tienda. Pero me sorprende que alguien que tiene el privilegio de contemplar todos los días esa obra, quiera deshacerse de ella... ¡lo que hacen los hijos con las herencias!

En una ocasión, en un curso en El Escorial, se publicó la noticia que el Museo Picasso de Málaga había comprado un “Picasso” por una cantidad enorme de euros. Antonio López nos comentó que "ningún Picasso vale eso (no juzgaba el valor artístico), y ningún entidad pública debería gastarse ese dinero habiendo otras necesidades más prioritarias”, y añadía que “durante mucho tiempo España se olvidó de sus artistas, y ahora quieren recuperar lo perdido, volviendo a olvidarse de sus actuales artistas, que cuestan mucho menos que un Picasso”

A continuación transcribo lo que el propio Antonio López decía al contemplar su cuadro en una charla:

“...Este cuadro está hecho con la misma intención, sintiendo más o menos lo mismo ante la misma ciudad. Es más luminoso. También está hecho en el atardecer. No me atrevía todavía a hacer el sol. Me resultaba difícil, porque dividía excesivamente las cosas. Creaba una luz general penumbrosa y trabajé las primeras cosas de Madrid con esa luz. Y bueno, pues empecé a necesitar un rigor que me obligó a emplear en él varios veranos. Es una cosa impresionante la diferencia de tiempo que exige la expresión exacta de las cosas. Es algo que yo no me lo podía imaginar. ¡No me lo podía imaginar! Entonces, pues, cuando las cosas tienen que tener exactamente su tamaño, no pueden ser ni un poquito mayores, ni un poquito más chicas, ni pueden estar un poco más acá, ni un poco más allá. En una pintura de esa complejidad es algo absolutamente extraordinario la cantidad de tiempo añadido que te lleva. Pero, bueno, así tiene que ser. Lo pinté desde Torresblancas.

Tiene dos metros y medio de anchura, y la mitad de altura. En este momento empecé a necesitar un formato distinto. Notaba que un ojo sólo es un círculo. Los dos ojos son un ovoide, pero nunca es el ovoide el doble de ancho que de alto. La altura es más que la mitad. Entonces, según fui pintando, fui añadiendo por abajo un pedazo y por arriba otro pedazo. Y ya situé el formato más o menos ahí. Los paisajes de Madrid ya no volvieron a ser el doble de anchos que de altos. La anchura es la misma, porque no concibo un paisaje más ancho de dos metros y medio. Por algún motivo no puedo. Sin embargo, la altura a crecido. Y en algún momento, en éste creo, empecé a situar el horizonte a la mitad. O sea, empecé a crear un orden. Un orden, una forma de mirar que fuera absolutamente de frente. Ni así, ni así. Entonces fue – no sé si exactamente en este cuadro – cuando necesité, pasara lo que pasara, poner la mitad de vacío y la mitad de lleno. Es decir, el cielo, yo noto que lo desatiendo. Se lo digo a mi mujer, a Mari, que hace unos cielos maravillosos y me dice: "Pero ¿por qué no pìntas el cielo?". Y es que, cuando llego y me pongo a pintar las casas...”

Universidad de Valladolid

Vencido

2008-06-23T10:34:00.000-07:00

Estos días estoy intentando resolver una coliflor, una verdura que se convierte en un ser extraño, un personaje de otro mundo sobre mi mesa, tremendamente misterioso... por el que me podría perder, caerme hasta el abismo de sus grietas profundas.

Todas las mañanas me bato en duelo con una hortaliza o quizás sea un cerebro disecado o quizás una explosión atómica, en definitiva moléculas y átomos intentando tener personalidad propia que me dejan claro que tras mucho esfuerzo sólo podré optar a pactar mi derrota.

Como decía Joan Miró: "Haig de conquistar el món!", ..."Mirava d’aprofundir el costat màgic de les coses. Per exemple, la col-i-flor té una vida secreta, i això era el que m’interessava, i no pas el seu aspecte exterior."

Obra en proceso 40 x 44 cm. óleo sobre madera

Poema Vencidos de León Felipe

Por la manchega llanura
se vuelve a ver la figura
de Don Quijote pasar.

Y ahora ociosa y abollada va en el rucio la armadura,
y va ocioso el caballero, sin peto y sin espaldar,
va cargado de amargura,
que allá encontró sepultura
su amoroso batallar.
Va cargado de amargura,
que allá «quedó su ventura»
en la playa de Barcino, frente al mar.

Por la manchega llanura
se vuelve a ver la figura
de Don Quijote pasar.
Va cargado de amargura,
va, vencido, el caballero de retorno a su lugar.

¡Cuántas veces, Don Quijote, por esa misma llanura,
en horas de desaliento así te miro pasar!
¡Y cuántas veces te grito: Hazme un sitio en tu montura
y llévame a tu lugar;
hazme un sitio en tu montura,
caballero derrotado, hazme un sitio en tu montura
que yo también voy cargado
de amargura
y no puedo batallar!

Ponme a la grupa contigo,
caballero del honor,
ponme a la grupa contigo,
y llévame a ser contigo
pastor.

Por la manchega llanura
se vuelve a ver la figura
de Don Quijote pasar…

Hay días que se está mas cerca del fracaso que de la victoria

Pd. Miquel gracias por la cita.

Tres artistas, tres exposiciones y tres ciudades

2008-06-17T04:34:00.000-07:00

El mes de junio, está siendo un buen mes en cuanto a exposiciones, circunstancia que siempre es buena. En concreto hay tres que me gustaría resaltar, estas están repartidas por todo el estado, una en Barcelona, otra en Pamplona y la última en Navacerrada (Madrid), ciudades que durante estos últimos años he frecuentado mucho, pues yo también comparto galeria con estos pintores.

Miguel Macaya

Miguel Macaya está exponiendo estos días en Barcelona, en la Sala Parés. El otro día me acerqué a ver la exposición, pues desde que vi por primera vez su obra, me gustó tanto, que siempre que puedo intento ver sus exposiciones.

A veces me sorprende lo poco conocido que es él y su obra por aquí, cuando es quizás uno de los pintores (en plena consolidación artística) figurativos españoles que más proyección internacional (Europa, Estados Unidos y ahora Ásia) está teniendo en estos últimos años. Está presente en muchas exposiciones importantes, como la que se organizó el año pasado en Alemania sobre realismo español, compartiendo espacio con Antonio López, Maria Moreno, Cristóbal Toral, Eduardo Naranjo, Julio Vaquero, Pedro Moreno Meyerhoff, Antonio Maya, los hermanos Santilari, entre otros, o su última retrospectiva en la sala expositiva Casa de Vacas, en Madrid, organizada por la Galería Jorge Alcolea, que fue quien lo descubrió cuando todavía estudiaba en la Universidad Complutense de Madrid.

Ante la obra de Miguel Macaya, es inevitable acordarse de Francisco de Goya (sobre todo en la época negra, no así, cuando resuelve los retratos, que recuerda más a su época cortesana), pero una vez superada esa primera impresión, su obra esconde un cierto misterio que inquieta, quizás provocado en parte por un cierto efectismo pictórico, que domina a la perfección, pues nadie puede negar que utiliza muy bien la técnica y el concepto plástico de la obra, creando un lenguaje propio, interesante y nutrido.

A mi modo de ver, es muy bueno que dentro de la pintura figurativa haya pintores como Miguel Macaya, que demuestren que no todo es hiperrealismo, que el lenguaje de lo real, tiene miles de formas e historias que contar.

Maria Perelló

Maria Perelló está realizando en la Galería Juan Amiano de Pamplona, la que posiblemente sea la última exposición que se haga en esa galería. Lamentablemente para todos los pintores que nos enorgullecía exponer allí, va a cerrar una de las galerías que más respeto me merecen, no sólo porque han expuesto allí lo mejor del Estado (por ejemplo, artistas de Malborough, Leandro Navarro, Juan Gris, Estampa, Sala Parés o Artur Ramón), sino por el trato respetuoso y justo de Juan, al que siempre le estaré agradecido por arriesgarse a organizar la primera exposición individual a un desconocido como yo.

No podía haber acabado mejor, exponiendo a la mejor artista que ha pasado por su galeria, y quizás la mejor pintora figurativa de Catalunya en estos momentos. La delicadeza y sencillez que trasmite su obra es extraordinaria, y si no esta mejor considerada, (pues supera con creces a muchos pintores tan excesivamente bien apreciados), es quizás por eso, por ser mujer, porque lamentablemente, sin saber muy bien por qué, esta sociedad sigue siendo ciega y machista.

Miguel López Coronado

Si hay alguien de mi generación que sintetice y ordene tan acertadamente la información en manchas pictóricas sobre el lienzo, ese es Miguel López Coronado, que está exponiendo en la galería Nolde de Navacerrada. Una galería poco conocida, cuando sin embargo es de las más importantes de España, pues sus directores Pablo Domínguez y Rosa Jorge han tenido un gran criterio a la hora de seleccionar a sus artistas.

Con cada nueva obra que veo de Coronado aprendo a pintar, es ese tipo de pintor que me hace tener ganas de trabajar. Su obra es 100 % pintura, la piel de sus cuadros, (la plástica) es muy rica, y contar tanto con unas pinceladas tan bien resumidas, es muy difícil, y eso me impresiona mucho sobretodo cuando ves que no es casual si no por talento.

Podréis ir a estas galerías a través de los enlaces de la columna de la derecha.

Michele del Campo y Josep Mª Jodar

2008-06-16T02:52:00.000-07:00

Hoy me gustaría hablar de dos pintores que seguramente son desconocidos para mucha gente, sobre todo Josep, pues hasta hace poco no se ha atrevido a exponer su obra. Pero sin duda alguna va a merecer seguir los trabajos de ambos.

De Michele del Campo no me extenderé gran cosa, pues ya hablaré de él más concretamente cuando inaugure en septiembre su primera individual en la galeria Mark Jason de Londres. Solo decir, que el próximo 18 de junio, inaugura en Barcelona, en la galeria Fernando Alcolea una muestra de su último trabajo, que si los anteriores eran buenos estos son aun mejor.

Josep Mª Jodar

Cuando Josep Jodar se convenza que es ya un buen pintor, (aunque sea figurativo), mi ciudad va a tener que añadir un nombre mas a la lista de buenos pintores de Mataró.
De la misma forma que yo hago con otros pintores con los que creo compartir camino, Josep se puso en contacto conmigo para hablar de lo nuestro, de la pintura. No se si le sirvió de mucho las conversaciones que mantuvimos, pero yo descubrí un talento, alguien autodidacta, que pintaba poco (lo que la vida le permite) y como hobby. Y era capaz de hacer fácil lo que a otros nos cuesta tanto, desde luego hay gente que ha nacido para pintar.

El texto que a continuación pongo, es de la sección Perfil de esta semana, de Laura Arias (gran periodista y mejor persona) que tan bien hace en el Tot Mataró.

Josep Maria Jodar, de grans passions
Docent de llengua anglesa, pintor i surfista

Laura Arias/Foto:Xènia Sola Especials - Perfils dimecres, 11 juny 2008

Aparentment, Josep Maria Jodar és un professor d’anglès que treballa a l’Institut Nord-americà de Barcelona. Concretament gestiona la secció d’exterior d’aquesta empresa d’idiomes. Però el cert és que aquesta feina és només el sou de Jodar. En el seu temps lliure, Jodar té una altra cara: és pintor. “No es pot viure de la pintura, has de tenir una feina paral·lela”, afirma Josep Maria Jodar.

Això, els llenços i els pinzells, que ha après a utilitzar de forma autodidacta, queden per a les estones més personals. “En el meu temps lliure pinto perquè és la meva essència que m’ha acompanyat tota la vida”, comenta el pintor. A més, assegura que només pinta allò que desitja: “De nen tens un cert virtuosisme, ho notes, ho noten i et van animant i sempre he pintat el què m’ha agradat”, explica Jodar. Per a Josep Maria, pintar significa molt. “Quan penso què és el què tinc, a part de la família i la feina, crec que sempre tinc aquest racó de la pintura que sempre m’ha acompanyat i ajudat en els bons i mals moments”, assegura el pintor. Però, de fet, ell és un home de grans passions. A banda de pintar ja fa ben bé dotze anys que va començar a anar a la platja a fer surf. Precisament aquest és el tema recurrent del seu art des de fa temps. Senzillament perquè, com la pintura, l’apassiona.

Tot va començar amb un reportatge televisiu en el què Jodar va conèixer la història del surf. Després d’investigar per Barcelona, va trobar una planxa de surf que abans eren més difícils de trobar. “La vaig comprar i vaig començar a ficar-me jo sol a l’aigua, i mica en mica vaig conèixer gent a la platja que feia surf”, relata Jodar. Des de llavors, no només el seu temps lliure, sinó també la seva pintura s’han impregnat de la cultura surfista.

“És una sort tenir platja”

Representar imatges del surf són com finestres al mar” afirma Josep Maria Jodar
Surf i pintura és una barreja explosiva. “El surf és un esport primitiu, com la pintura, i consisteix senzillament en agafar una planxa que sura i agafar onades que estan fetes per l’energia del sol i el vent”. Així mateix, el surfista defineix la pintura com l’acció d’enganxar pigments sobre una superfície i representar la realitat. O com a mínim, la seva realitat. Tot i que només fa dotze anys que va descobrir aquest esport, la platja sempre ha significat molt per a ell. “Sempre m’he sentit molt a gust a la platja. De petit m’escapava amb els amics vora mar i era com els nostre reducte, una mena de paradís on jugàvem”, explica. Ara per ara, també és un tresor inesgotable de paisatges per les seves pintures i paradís d’onades pel seu esport preferit.

APUNTS

Defineix-te
Quan desconec una cosa acostumo a ser introvertit, però amb les coses que m’apassionen sóc molt extrovertit perquè realment conec del què parlo
Un llibre
“Morning Glass”, de Mike Doyle
Una pel·lícula
“Con la muerte en los talones”, de l’actor Cary Grant i dirigida per Alfred Hitchcock
Un viatge
Sé que ha de venir aquest viatge, però no sé on
Un surfista
Miki Dora
Un somni
Que ens estimem

El Casament

2008-06-13T13:00:00.000-07:00

El pasado 5 de junio se inauguró la exposición “El Casament”. Una exposición, simpática por el tema y satisfactoria en calidad artística, y no puedo hacer otra cosa que recomendar la visita y felicitar a los artistas participantes, a los organizadores y a sus mecenas por el gran nivel de la muestra y de la fiesta. Sin duda esta ciudad se puede sentir orgullosa de sus artistas.

Sólo lamentar que haya sido una boda religiosa y con padrino adinerado en vez laica y por lo civil, pero claro, como no son modernos si no unos catetos de pueblo...

Pintando entre verduras

2008-06-03T07:41:00.000-07:00

Desde el jueves por la tarde, hasta este domingo por la mañana, en una pequeña aula de la antigua cárcel de Mataró (aprovecho la ocasión, para reivindicar un mejor y mayor espacio para la Associació Sant Lluc y nunca mejor dicho lo de “sants”), se ha organizado un taller de pintura, donde un servidor a intentado ayudar a sus alumnos a enfrentarse a la pintura del natural.

Creo haber aprendido más yo de ellos que ellos de mi, a sido una clase magistral sobre como se debe afrontar la creación, de una forma natural, sin pretensiones, con humildad y respetando profundamente lo que se estaba representando, cosa que los pintores, en esta lucha con nuestros contemporáneos y la historia del arte, lo olvidamos con mucha frecuencia, enfrentándonos a la pintura con una ensoberbecida mirada de superioridad, banal y estéril.

Hablando de la verdad y la naturalidad en la pintura, Antonio López en el curso de Santander, dijo: “Vamos hipotecados por unas intenciones como si fuéramos funcionarios de algo...”

Sinceramente no dejéis de pintar y muchas gracias.

Daniel Llin, Mozart y el proceso del arte

2008-06-02T12:07:00.000-07:00

Este texto que escribo a continuación sobre las reflexiones que hace Mozart sobre el proceso creativo de una obra, me lo dio este pasado domingo Daniel Llin, después de conversar y compartir opiniones entorno al arte y su concepto.

Daniel sigue con esa energía e ilusión por descubrir el mundo a través del arte. Gracias.

En Mozart, la originalidad consistía en no perseguirla, y el resultado era el afloramiento natural de la “verdadera” belleza sonora.

“Oigo en un momento dado una idea que no es mala. Sí, pues ciertamente no dura mucho como no mala, sino que pronto se convierte en, ¿bella? ¡Dios me libre! Mala y muy mala. Y eso de dos o tres maneras. A saber, que apenas empezada esta idea, viene en seguida alguna otra cosa y la estropea. O bien, que no sabe dar a la idea una conclusión suficientemente natural como para mantenerla buena. O bien la idea no está colocada en el lugar oportuno. O finalmente, la idea queda malograda por culpa de la instrumentación.”

Albert Alis

2008-05-26T09:11:00.000-07:00

El pasado sábado 24 de mayo, como tantos otros amigos y desconocidos, no quise perderme la inauguración que Albert Alís hacía en su estudio.

Como no, fue todo un éxito. Éxito de asistencia, con alcalde incluido, y éxito de la obra expuesta como ya nos tiene acostumbrados Albert. No descubriré yo que Alís es un gran pintor, pero me gustaría resaltar que lo que intenta resolver en su pintura y de la forma en que lo hace, es muy difícil por no decir dificilísimo. Sintetizar la realidad sin que pierda información, resolverlo con el mínimo de pinceladas, controlando la composición (fundamental en él) y con un exquisito control de la gama tonal es francamente complicado de afrontar. Hay que tener mucho conocimiento del lenguaje de la pintura para resolverlo con acierto y cuando eso ocurre es maravilloso.

A veces tengo la sensación que en Mataró se observa su pintura desde una visión más superficial, como si por el mero hecho de que sea figurativo, ya llevara implícito una peyorativa utilización del oficio. ¿Y acaso eso no puede ocurrir en artistas abstractos (que por cierto ayer no vi a ninguno) o conceptuales?.

Yo personalmente pienso que Albert Alís se merecía haber dispuesto de las dos salas cuando realizó su última exposición en el Ateneu de la Caixa Laietana, con su correspondiente velada-tertúlia, como sí tuvieron P. Coll y J. M. Codina, pero Alís no la tuvo, no se por qué, quizás tenemos demasiados complejos.

En definitiva, fue una tarde para disfrutar; disfrutar de las conversaciones, de los cuadros, de los capgrossos (deliciosos) y del estudio que yo no conocía y que me maravilló verlo, porque es la envidia de cualquier pintor. Felicidades Albert.

Velázquez e Inocencio X

2008-05-22T08:57:00.000-07:00

Todas las mañanas antes de empezar a pintar me gusta sentarme en el estudio un rato, sólo observando y pensando en mi entorno, en mi cuadro o en el que vendrá, en el motivo a representar, en el futuro o presente, pero lo que más necesito hacer es coger unos cuantos libros para contemplar y estudiar cómo otros pintores han resuelto tan magistralmente aspectos que tan cuesta arriba se me hacen. Por ello, estos días he reproducido en papel para colgarlos a modo de póster en la pared del estudio algunos cuadros que para mi son imprescindibles, que ha veces se convierten en mi salvación, en mi fe para seguir, y otras en mi derrota, en el acento de mi mediocridad, pero aun así no me canso nunca de mirarlos y redescubrirlos.

Uno de esos cuadros es el retrato de Inocencio X de D. R. De Silva y Velázquez. Creo que no hay en toda la historia del Arte un retrato que haya llegado tan alto, y no sólo en técnica. Ana y yo lo pudimos contemplar en directo en el viaje que hicimos el pasado verano a Roma, la verdad es que nos quedamos mudos, era impresionante, allí solo, en una sala con una presencia que imponía, ¡daba miedo!. Es maravilloso ser testigo del talento de un hombre que mediante la magistral utilización del lenguaje de la pintura es capaz de sintetizar la esencia de un hombre y su sociedad. ¡Y encima de una manera que parece fácil!. Como dice un amigo (excelente pintor) gaditano, ¡ese hombre parece que suda! (y en todo su significado).

Si podéis hacer una escapada a Roma, no dudéis en acercaros a ver esta maravilla, lo encontrareis en la Galleria Doria Pamphilj, sólo por verlo merece la pena el viaje.

Y si encima os tomáis un buen helado de vainilla con frambuesa y con mucha panna en el trastevere, entonces un viaje perfecto.

Francisco de Quevedo

2008-05-20T23:49:00.000-07:00

Estos días estoy leyendo Historia de la vida del Buscón, llamado don Pablos, ejemplos de vagabundos y espejo de tacaños (es el título completo) de Francisco de Quevedo (1580-1645), que recomiendo a todo aquel que quiera entender un poco más nuestra historia contada con una gran dosis de humor.

Os escribiré un par de ejemplos del ingenio satírico de Quevedo.

El protagonista cuenta el día que le tocó subirse al caballo para el desfile de la escuela:
“Llegó el día, y salí en un caballo ético y mustio, el cual, más de manco que de bien criado, iba haciendo reverencias.”

Otro:
“Metió en casa la vieja por ama, para que guisase de comer y sirviese a los pupilos, y despidió al criado porque le halló, un viernes a la mañana, con unas migajas de pan en la ropilla. Lo que pasamos con la vieja, Dios lo sabe. Era tan sorda, que no oía nada; entendía por señas, ciega, y tan gran rezadora que un día se le desensartó el rosario sobre la olla y nos la trujo con el caldo más devoto que he comido.”

Es sorprendente comprobar cómo te puedes reír en el siglo XXI con algo dicho en el siglo XVII, el lenguaje, cuando es acertado, es maravilloso.... ¡y qué poco hemos cambiado!

Máximo Almeida y el Fons d'Art

2008-05-17T09:13:00.000-07:00

Hace unos días se inauguró la exposición Quatre, en la Sala Caixa Laietana de Mataró, mi pueblo. En ella participa Máximo Almeida junto a otros tres artistas, que no me emocionaron mucho. Alguien debería de reflexionar sobre si algunos de los seleccionados del concurso de pintura Torres García, son una buena cantera para hacerles protagonistas de exposiciones. Yo tengo mis dudas, o al menos sobre su gran mayoría. Se hace muy buena pintura por el Estado, y es una pena que nadie se moleste un poco en traerlos a nuestra ciudad. Conseguir que alguien que no necesita exponer en el Ateneu de Caixa Laietana exponga, es un éxito, lo demás...

Me alegra que por fin Mataró le haya dado una oportunidad a Máximo de mostrar su trabajo en condiciones dignas. La situación de Máximo en el panorama cultural de esta ciudad es algo que me inquieta mucho. Es un pintor de casa, que lleva mucho tiempo pintando y desde luego no tiene menos nivel que otros jóvenes pintores tan omnipresentes, pero sorprendentemente a penas se le han propuesto proyectos. En realidad esto es algo que pasa con algunos pintores de esta ciudad, sobre todo los que no pertenecen a ninguna "capilla", por lo que suelen estar bastante olvidados por quien gestiona los escasos espacios dignos del municipio.

Máximo ha expuesto en la Sala Parés o la galería AB de Granollers, y eso es muy difícil y no es comparable con otros artistas con currículums poco o nada relevantes. Y mientras unos luchan con gran dificultad por entrar en galerías y circuitos serios, otros preescolares reproductores de estereotipos ajenos se benefician del sectarismo baladí de esta ciudad.

Sorprendentemente mientras esta ciudad dispone de artistas con un trabajo de una gran seriedad como por ejemplo la de J. M. Codina, sus museos no disponen de un fondo permanente donde alumnos de instituto, de universidad, pintores jóvenes, etc., en definitiva ciudadanos, puedan contemplar y estudiar sus obras, o dicho de otra forma tener la posibilidad de conocer diferentes caminos de expresión (algo que debería ser prioritario para las políticas de izquierda), pero no es así. Situación lógica en un municipio cuya política cultural no se hace por y para el ciudadano y si por orgullo y preferencias.

Regina Giménez en Trama

2008-05-03T04:49:00.001-07:00

Esta semana me acerqué a Barcelona a recoger un libro, del que ya comentaré mas adelante, y a hablar de trabajo. Y paseando por la calle petrixol, me encontré con una grata sorpresa, vi que estaba exponiendo Regina Gimenez en la galería Trama y no dudé en entrar a ver cuales eran sus últimos trabajos, que seguro me iban a gustar, como así ocurrió.

Regina Giménez es de la pocas pintoras abstractas (aunque con muchos conceptos figurativos) que me hacen disfrutar y reconciliarme con la pintura. No ha habido ni una sola exposición que haya visto de ella que me dejara con mal sabor de boca, al contrario siempre a sido sabroso. Es sorprendente ver como alguien maneja tan bien la materia, la pincelada, la composición, en definitiva la pintura, y como dice ella, la pintura y su desconocido acompañante.

Si podéis no dudéis en acercaros a ver su trabajo que estará expuesto hasta el 19 de mayo en la Galeria Trama de la calle Petrixol nº 8. (telf. 93 317 48 77)

PD: ya se que aviso de esta exposición un poco tarde, pero si no podéis ir a ver su obra esta vez, no olvidaros de este nombre para la próxima.

TV3, Antonio López y yo

2008-04-24T15:04:00.000-07:00

La creación de este blog está siendo una experiencia muy gratificante y en parte melancólica, sobre todo por el obligado ejercicio de recordar, revisar y ordenar todo lo ocurrido en mis escasos 7 años de experiencia artística.

En estos años he vivido momentos muy especiales como: Las becas con Antonio López, los amigos allí encontrados y reencontrados, las apuestas de los galeristas por mi trabajo, las exposiciones realizadas, las entrevistas y publicaciones y sobre todo los comentarios y apoyos de la gente que me rodea y acoge.

Pero si hay algo a destacar, no por que sea lo más importante, si no por lo inesperado y la ilusión que me hizo, es cuando TV3 realizó un reportaje a Antonio López, (con motivo de la conferencia que ofrecia sobre la obra Francesc Gimeno en el MNAC), y acabé participando. Aquel día decidí ir a Barcelona para escuchar al maestro, y nunca me hubiera imaginado que después de acercarme a él para saludarlo, tanto Antonio como la periodista Carolina Tubau (a quien le estoy muy agradecido) me acabaran invitando a participar en el reportaje. Y la verdad, todavía no me lo creo.

Aquí lo tenéis por si queréis verlo.

DANIEL CUERVO EN ARTUR RAMON

2008-04-23T10:07:00.000-07:00

Daniel, es un pintor al que conozco, que respeto y recomiendo, y ahora expone (con mucho éxito) en la Galería Artur Ramon de Barcelona, galería que alberga grandes pintores figurativos catalanes, tales como: Los hermanos Santilari, Serra de Rivera, Luis Marsans, Leticia Feduchi, Andres Moya y Pedro Moreno Meyerhoff, entre otros.

Creo haber visto dos o tres exposiciones suya, y si las otras eran buenas esta es excepcional, sobretodo los dos cuadros de la vista de Barcelona desde una golondrina, (que mas abajo reproduzco) un claro homenaje como él mismo dice a Richard Estes (excepcional pintor norteamericano hiperrealista que trabaja para la galería Marlborough).

Si os gusta la pintura figurativa y de calidad, no dudéis en acercaros a verla, estará colgada hasta el 17 de mayo y su horario es de martes a sábado (mañanas) de 10.00 a 13.00 h. y de 17.00 a 20.00 h., en la calle Palla nº 10 de Barcelona.

INAUGURACIÓN, 30 AÑOS Y JUAN MUÑOZ

2008-04-21T16:21:00.000-07:00

INAUGURACIÓN

Inauguración, por que hoy es el primer día que escribo en mi blog, y espero tener la voluntad suficiente para escribir con bastante asiduidad, no dejarlo abandonado por mucho tiempo, y cumplir con el proposito de que mes a mes se llene de cosas interesantes. Así que, queda inaugurado oficialmente este blog. ¡Salud!

30 AÑOS

30 años, porque el pasado viernes 18 de abril de 2008, sumé uno a mis 29. Treinta años y que conste que no estoy deprimido, en el fondo me importa poco cumplir años, a demás, estoy convencido que estoy pasando por uno de mis mejores momentos, tanto profesional como personal. Resumiendo, treinta años de existencia, veintiocho de conciencia, ocho de profesión, nueve de relación, y tres de vida profesional.

JUAN MUÑOZ

Juan Muñoz, porque es el regalo que más ilusión me ha hecho. Me lo ha regalado, como no, mi mujer Ana y ha acertado al 100%. Siempre me había gustado la obra de Juan Muñoz. Ya en la facultad cuando buscaba desesperadamente referentes figurativos que trabajaran con conceptos contemporáneos me llamó la atención y ya era hora que en nuestra biblioteca hubiera un catálogo de este excepcional artista.

Aprovechando la ocasión, inauguraré hoy una sección que quiero que sea habitual en este blog. Mi intención es que cada cierto tiempo (una vez al mes, por eje.) colgaré la imagen de una obra que me haya impresionado. No pretendo hacer ningún análisis profundo sobre ella pues no soy partidario de eso y siempre he creído que las auténticas grandes obras, se defienden ellas solas.

Su título, Many times y fue creada en 2000. Y aunque esta en particular recuerda mucho a las esculturas Chinas (Guerreros de Chian), de las que seguramente se dejó influir. No hay duda que Juan Muñoz ha sabido no sólo presentar una escultura con rigor, formalmente hablando (en este caso varias que forman un conjunto o como se dice ahora "instalación"), sino que ha logrado ir mas allá. Como los grandes maestros ha sabido retratar un tiempo, un siglo, una sociedad y como a mi me gusta, desde la esencia y no desde la anécdota.

Es una pena que muriera tan joven, aunque por suerte nos ha dejado una gran cantidad de obra. Yo no sé si es un artista figurativo o conceptual, lo que si sé, es que es un trabajo fundamentado en el rigor técnico, caminando por un mundo e imagen real cargado de concepto.

Porque aunque muchos no lo crean en el arte actual, el del siglo XXI, todavía es válido trabajar desde lo real, desde la figuración, y para muestra un botón, Juan Muñoz y su obra no es contemporánea porque ponga los títulos de su obra en inglés (tan aficionados a ello los artistas conceptuales) o por un superficial efectismo estético de su obras fotografiadas (recurso típico y aburrido de muchos), es un trabajo contemporáneo porque parte de la verdad contada por un hombre de nuestro tiempo.